40 Días (2008)

40 Días (Juan Carlos Martin, 2008)
55/100

El documental Gabriel Orozco (2002) de Juan Carlos Martin fue una de las operas primas mejor reconocidas por la critica y festivales, su ingreso a la ficción es un paso torpe y bastante fumado. Martin había sorprendido con su debut resultando ganador del Mayahuel de la entonces Muestra de Cine Iberoamericano en Guadalajara, su propuesta sophmore estuvo en competencia en la pasada edición del festival siendo ahora el primer filme competitivo en estrenarse comercialmente. 40 Días es un filme roadtrip sobre tres artistas sufridos: el cineasta protector Andrés (Héctor Arredondo), la lluviosamente deprimente actriz Ecuador (Luisa Sáenz) y el incomprendido acomodador de letras Pato (Andrés Almeida). Juntos deciden escapar lejos de la vida urbana que los consume, muy a lo presentado por Matías Meyer en Wadley.

No pasaba su introducción cuando la trama se convertía en un sumiso remolino de melodrama todo abarcador que no hace más que maltratar a sus ya derrotados personajes. El guion se carga un espirito de pacifista hippie; una catarsis de liberación artística, la liberación de sus almas y la búsqueda de identidades perdidas. La cinta también hace comentario al ya cansado análisis de un Estados Unidos como consumidor de culturas mientras lo recorre admirándole sus bellos paisajes. El mal sostenido de una reflexión de identidad me hizo retroceder inmediatamente al fallido documental del ex locutor radial Olallo Rubio ¿Y tu cuanto cuestas? (2007), ambas cintas no hacen más que presionar a su audiencia a ponerse una etiqueta innecesaria.

En lo que no falla el road movie es en brindar hermosas imágenes. El trió se propone a salir de México hasta toparse con Nueva York y culminar en Tijuana, la ciudad intermedia de ambas culturas. El viaje resulta en una delicadeza fotográfica en la que cada toma bien podría enmarcarse y colgarse en una pared. Claramente el director hizo de Miguel López (cinematógrafo) su gran cómplice y descuido el guion ostentoso de Pablo Soler Frost. La supervisión musical es atinada, por segunda ocasión en este 2008 el cine mexicano recurre al gran Devendra Banhart; la otra siendo Déficit de García Bernal. Tampoco equivocada resulta ser la nostálgica mirada a una juventud treintañera aun no lista para madurar.

El trabajo actoral no es del todo exitoso, pero no es molesto, en especial Andrés Almeida que suele ser poco reconocido tanto en la actuación como en la música y sin embargo es muy talentoso. 40 Días presume de ser intelectual frecuentando incluso un sinfín de cintas que a su vez son maltratadas, crudamente como a al trió de personajes. 40 Días frecuenta al cliché para hacer claro su mensaje: el encontrarse a si mismo para ser plenamente feliz. 40 Días estará disponible en cartelera desde este viernes Septiembre 19. Al igual que en Wadley, hay que exigir nuestra rebanada de peyote en la entrada.

Cumbia Callera (2007)

Cumbia Callera (Rene U. Villarreal, 2007)
80/100

El cine regio pocas veces se ha visto tan esplendido, la opera prima de René Villarreal se presenta con escasos diálogos y se entrega a si misma por medio de la cumbia; posiblemente el genero musical mas aceptado en México. El sonido de Colombia ahora integrado a la música popular mexicana, esta vez enmarcando a una juventud que va desmenuzando el fonograma y personificándolo, haciéndolo suyo. Cumbia Callera es un baile bien coreografiado sobre un triangulo amoroso entre la guapísima Cori (Fernanda García, sabrosa), el creativamente voyeur Neto (Oliver Cantú) y el malandrín Guipiri (Andul Zambrano). La cinta es mas que un retrato de los llamados morros, cholos o chuntaros que gustan de la música Colombiana.

Un juego de seducciones que se va desenmascarando en la sensualidad de Cori, y va coordinadamente perseguida por dos galanes en celo. Se suma una deliciosa trama de cenicienta urbana que le otorga a su personaje una inocencia a primer vista ausente, haciendo a la musa aun mas completa y quitándole cierta soberbia por auto-reconocerse como una ‘morra’ incansable. El colapso entre las tres partes resulta intrigante; un aspirante con ligue casi primitivo al ser tan auditivo y otro que apuesta por los visuales otorgados por su cámara de video que filma a todo momento. El desemboque sexual se hace presente y agradecemos la valentía del director que filma con precisión escenas eróticamente inspiradas en la música que los acompaña.

Cumbia Callera es un filme de emociones, donde lo verbal pasa a segundo renglón y encuentra en la cumbia y sus sonidos hermanos (champeta, vallenato, porro) un lenguaje fervoroso que pueda quizás encontrar un balance de gozos entre los tres participantes. La ciudad de Monterrey es también personaje clave y cómplice; les otorga asoleadas caminatas a beneficio y les complica en más de una ocasión el festín musical. Aunque no lo manifiesta directamente, la cinta parece defender a una comunidad influenciada por Colombia, negándose a catalogarla como tribu urbana y dejando intacta su identidad Mexicana. En Monterrey hay espacio para Ramón Ayala (El rey del acordeón) y para Celso Piña (El rebelde del acordeón).

El musical también encuentra en el grafiti un aliado visual que solo aumenta la refrescante propuesta del debutante. El director de fotografía Antonio Beltrán Hernández realiza un esplendido trabajo que se aleja de conformismos y que es particularmente asombrosa en el memorable encuentro de diversos sectores, descubriendo a la música como un común que deben respetarse. El simple hecho que Cumbia Callera nos muestra un universo existente pero desconocido para la mayoría la eleva en contenido. La afinada mirada de su director, el entono de su producción y su espirito documentalista hacen del “musical mudo” una de las mejores producciones mexicanas que hemos visto este año.

Cumbia Callera sigue disponible en la programación de HBO Latino para los residentes de Estados Unidos. Pronto también estará disponible el DVD de las manos de Venevisión. Continúa en cartelera en Monterrey expandiéndose a la capital el próximo fin de semana.

Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo (2008)

Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo (Yulene Olaizola)
90/100

La opera prima de la egresada del CCC es un gran hallazgo de cine policiaco, inspirado y traducido por Doña Rosa, una anciana cuya casa de renta es ubicada en la intersección de las calles Shakespeare y Víctor Hugo en la Ciudad de México. La elegante mujer fue en sus años jóvenes una actriz poco reconocida tanto en cine como televisión. Un misterioso inquilino llegaría a inyectar una nostálgica y singular amistad con la mujer que parece recordarle afectivamente. Fascinada con el relato de la abuela, Yulene Olaizola decide registrar la historia como su proyecto escolar de documental. El resultado es tan fascinante como las historias que secretamente debe guardar la escalofriante casona.

Jorge Riosse es un joven creativo con pensamientos izquierdistas sobre diplomacias que empujan sus talentos artísticos a límites que ciertamente desconocemos. Rápidamente se convierte en el inquilino mas cálido no solo para la dueña de la casa pero también de su fiel empleada domestica Florencia. La mirada de Olaizola mantiene desde su inicio una actitud de ambigüedad hacia este personaje. Pronto conoceremos las acusaciones que hay en su contra, y es que la abuela dice estar convencida que su inquilino es un buscado asesino de mujeres prostitutas. El documental no se convierte en reportaje policiaco, continúa siendo una examinacion de la abuela y su inquilino, y del posible amor que compartían.

Existen diversas tecnicas manipuladas y fabricadas por la directora que terminan como indicaciones de objetividad o técnicas de investigación. Como todos los nietos del mundo Olaizola parece dudar de algunos detalles que su abuela, actriz en los 60s, presume haber vivido. Sucede que Doña Rosa anteriormente escribió un libro del mismo nombre que la cinta, donde además de plasmar el anécdota familar hay espacio para elaborados mitos. Así se abren posibilidades alternas a las expuestas por la abuela, algunas siendo legítimamente creíbles, otras pisando terreno bizarro. Intimidades de una familia, el solo recorrido a la vida de la abuela resulta ser fascinante.

Jorge Riosse termina siendo una inspiración y personaje clave en la vida de Doña Rosa. La anciana reconoce que los genios dejan su legado a la mitad, solo para ser revisados y revalorados después de su despedida. Lo que Riosse dejo atrás sirve como recurso para la abuela y su nieta, juntas intentan reconstruir aquella etapa de nostalgia y miedos. Aun mas efectivo es el repaso al estancamiento sexual y el desemboque artístico del supuesto asesino urbano que permanece en la vida de su figura materna.

Desde Trópico de Cáncer (Polgovsky) y 1973: La Región de las Sombras (Antonio Isordia), no se nos presentaba un documental de atmosferas, un cine que se alimenta de silencios y sus pocos recursos para posicionarse en un intermedio, entre el documental y la ficción. Uno de los documentales más laureados en el circuito de festival, bien merecido pues es el documental mexicano más radical y poderoso de este año, y el segundo mejor de lo que hemos visto este 2008 después de el ganador del Oscar Taxi in the Dark. (Alex Gibney, 2007).

Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo se ha llevado los maximos premios de la Ciudad de Mexico (FICCO), Lima, Transilvania y Buenso Aires (BAFICI). Estara presentandose la seccion Orizontes Latinos en San Sebastian y sera parte del gran mercado que es el Festival de Toronto.

Los Ladrones Viejos (2007)

LOS LADRONES VIEJOS, LAS LEYENDAS DEL ARTEGIO (Everardo González, 2007)
85/100

El México de los 70s habitaba a unos criminales con indiscutible ego autocomplaciente y hasta cínicamente ejerciendo una “profesión” con cierta complejidad y respeto. Los Ladrones Viejos, es el segundo documental del ya reconocido Everardo González, cuyo debut La Canción del Pulque (2004) también se valió de un México añejo siendo reconocidos aquí y allá. La generación de aquellos rateros consiguió egresados fracasados, traicionados, y otros pocos exitosos. González registra a través de entrevistas a los ladrones aun encarcelados por sus robos, así como sus malos pasos dentro de su encarcelamiento que siguen sumando días a las ya largas condenas. Más fascinante aun es el recurso de tirajes periodísticos, spots informativos televisivos y videogalerias no solo de las aventuras de estos hombres pero también de un México que como sus ladrones es irreconocible por las nuevas generaciones.

Es admirable la sensibilidad del director al filmar con respeto a estos hombres, tanto que sus fechorías llegan a ser fascinantes historias que relatan con pasión y hasta orgullo. El documental no idealiza a los presos ni mucho menos al acto criminal, pero si nos introduce al robo limpio, sin violencia. Uno de los entrevistados expreso que el solo le robaba el pan al que le sobra. Un código de honor que se respetaba y consecuentemente les facilitaba la entrada y salida en las delegaciones, lugares para negociar su libertad a través de favores a personajes políticos de alto mando y poder.

El más admirado y simpático de los ladrones es sin duda Efraín Alcaraz Montes de Oca, mejor conocido como “el carrizos.” El ladrón que no se tapa la cara ante las cámaras, parece no conocer la vergüenza o simplemente no la considera, pues su método de trabajo aparenta no lastimar a nadie. Inolvidable el relato de El Carrizos y su accidentado asalto a la casa del ex presidente Luis Echeverría, en ojos del pueblo un criminal que aun no cumple con su merecido castigo. Gracias el recurso de imágenes archivadas por varias décadas, la cinta consigue mostrar el deterioro físico que sigue avanza a ritmo veloz detrás de las rejas. Hay un claro comentario en contra de la corrupción y de ahí una preocupación de González hacia las causantes de actos criminales.

Es curioso pero Los Ladrones Viejos no se siente como un segundo trabajo, parece que la dificultad de financiar proyectos en el país ha forzado a mostrar madurez para esa difícil segunda oportunidad. Lo cierto es que estamos ante uno de los documentales mejor argumentados y sostenidos dentro el cine nacional, el mas elegante y técnicamente sobresaliente. González ha conseguido a través de sus dos cintas y la dirección del programa televisivo México Nuevo Siglo una maestría al trabajar con material histórico y le ha impuesto un tono muy regional (nada costumbrista). El pulque y el arte del robo son las excusas del director cuyas intenciones pretenden seguir contando historias, mas leyendas.

La supervisión musical es genial, con la música original de Rodrigo Garibay con partitura basada en órganos y guitarras agudas que dieran el comienzo del genero grupero tradicional. El repaso de la música de moda en los 60s y 70s como el swing o el danzón abren espacios con entretenidas secuencias que le brindan un poco de aire al documental que llega a secarse un poco en su culminación. La edición (ganadora del Ariel) es hábil y parte clave para confeccionar la llamada profesión que se dividía en muchas ramas, en varias especializaciones. El rápido recorrido del presente de los ladrones, en la cárcel, se percibe como un lugar frio y cruel, para estos personajes es ya un hogar visualizado como la ultima parada donde las memorias los acompañaran y el código de honor alivia un poco su reclusa interacción social.

Llamando a un ángel (2007)

LLAMANDO A UN ANGEL (2007)
55/100

Con un elenco todo abarcador que va de actores telenoveleros a conductores de televisión y con el apoyo de Buena Vista como distribuidora pensábamos que la antes titulada De Ángeles, Flores y Fuentes y favorita del publico en Guadalajara ’07 seria el primer knockout en la cartelera mexicana del 2008, puesto que después recayera en La Misma Luna (Riggen, 2007). Cierto es que la cinta dirigida en colectivo por el trío Guzman-Rodriguez-Rodriguez recorrió las salas mexicanas sin dejar ni un grano de transcendencia, tal vez un signo de su atípica mediocridad. Con la premisa de conflicto situacional y tres llamadas confundidas, tres cortometrajes son levemente conectados y presentados como largometraje. Llamando a un ángel consiste en tres ligeros cortometrajes, dos de relleno y otro ultimo con cierto encanto.

La ciudad doliente. 50

Responsable de abrir la propuesta más no de construir la delgada pero significativa cuerda que sostiene a los tres cortometrajes. Nos encontramos en una preparatoria aparentemente problemática, donde no hay más que estudiantes punketos y un maestro cansado de ellos, bueno, menos de una alumna con quien siente cierta atracción. Y aunque molesta que la cinta suponga una generación solo de darketos, el maestro los ve como una plena amenaza. El cada vez más trabajador Julio Bracho con su ya conocido personaje controlador y Sherlyn, aun estancada en la prepa. Una supuesta llamada de la alumna da a entender que la atracción es mutua y una pelea de la chava con su novio solo alimenta el interés del profe. Ahora nos posicionamos ante un triangulo bastante tenso que puede explotar y poner en jaque a cualquiera de los involucrados. Lo que empieza como un simpático corto se transforma en un juego demasiado fácil, muy predecible y en efecto, flojo. Bonus points por la inclusión de la rola “Mucho” de Elis Paprika.

Sufrimiento eterno. 45

En el segundo segmento una desesperada mujer se encarga de complicarse la vida y de una vez dar erróneas ilusiones a un hombre doliente y otro condenado, aquí se conecta la película, a través de tres llamadas desventuradas que contestan bajo el mismo nombre, Ángel Flores Fuentes. La siempre guapa Mónica Dionne se autopropone un colapso emocional en un fin de semana que su esposo anda de viaje, encontrara en cualquier detalle una salida al agotado matrimonio. Un amor del pasado (Alberto Estrella) es presa de sus pensamientos, del que hubiera pasado si hubiera apostado por aquel hombre con quien si compartía ideologías y a quien siempre considero su gran amor. El comediante Lalo España le otorga un cierto encanto a la aburrida trama, aun en su papel cliché de amigo gay comprensivo. Con una música muy apropiada para el yoga y una supervisión de vestuario donde todo es blanco, la historia simplemente no es lo suficientemente interesante o ingeniosa para sostenerse.

La gente condenada. 65

El último corto es sin duda el plato fuerte y la única razón por la que Llamando a un ángel no resulto un martirio. Primero debemos agradecer que se respetaran los espacios de cada cineasta que la ultima pieza del largometraje fuera eso, una historia más y no una resolución encadenada sobre los tres cortos. Aquí, otra llamada ilusiona a un hombre que decide reclamar a su chica, o por lo menos acostarse con ella. La deseada Eva (Patricia Llaca, gritando como siempre) se enamoro de un viejo adinerado y no tiene ni idea de la llamada que atrae a su ex galán. Y sumemos la genial presencia de Luis Felipe Tovar, en el mejor personaje que ha tenido en muchos años. Vestido con un traje vaquero blanco, con pelo no güero sino amarillo y con ese rostro macabro que sabe aprovechar, encarna al mismo diablo. Una historia deliciosamente enredada, que se burla de si misma y no le tiene miedo a ridiculizar la existencia de cada personaje.

Wadley (2008)

WADLEY (Matias Meyer, 2008)
55/100

Propuesta estéticamente interesante pero desarmada en contenido, la seleccionada en el Festival de Rotterdam resulta difícil hasta para los programadores de festivales al no encajar ni como largometraje de ficción ni tampoco documental. La realidad es que no mucho sucede en Wadley, opera prima de Matías Meyer, la visión es borrosa y aunque en imágenes no deja de ser sugestiva se cae al borde de lo conceptual. Un hombre con actitud de explorador aparentemente de ciudad se decide a encontrar el supuestamente medicinal y apendejador peyote. Lo más valioso de la cinta es su disponibilidad a ser abiertamente interpretada, las opiniones mixtas no deberían sorprender a nadie.

No esperábamos una explicación fílmica sobre el cactus de moda, ni su transcendencia como lo hizo Everardo González con La Canción del Pulque (2004). Meyer pareciera que en lugar de inquietar solo consigue desesperar a los valientes. Arrojamos la idea de que tal vez fue una cinta realizada para ser vista bajo las consecuentes alucinaciones del peyote, en ese caso exigimos nuestra rebanada con la compra del boleto. Es muy posible que el director sepa sostener su cinta basándola en que es una idea sin antecedentes en nuestro cine y que en efecto tratamos con un producto riesgoso que bien podría llevar una genialidad incomprendida a primera vista. De ahí el siguiente paso seria plenamente del espectador, como ya dijo Ernesto Diezmartinez en Cine vértigo de que tanto le creemos al director y que tanto supo plasmar en la pantalla.

Como fiel admirador del trabajo de Lisandro Alonso Wadley de inmediato trae recuerdos de aquel fantástico debut del argentino, el también semidocumental La Libertad (2002). Aquella opera prima que no respira más que eso, una libertad que goza su único personaje alrededor de un bosque y la libertad de un director desafectado al no contar historias sino construir universos con entrada y salida. Wadley es como el desierto, muy seco y tremendamente agotador, solo que resulta ser mas difícil de lo que esperábamos pues aquí nos avientan a una ciega odisea sin ningún dulce o refrescante a cambio.

La fotografía no es menos que impactante, a pesar de sus limitadísimos recursos económicos la cinta es redondamente llamativa, ingredientes que lamentablemente se disuelvan ante las intenciones vagas e indefinidas. No sabemos que tanto de la cinta surge espontáneamente, tal vez todo sea una accidentada intoxicación. Y si, Wadley llega a ser fatigante más no esta fastidiada, formula una batalla entre el hombre, su espirito líricamente gentil, los alucinantes y la naturaleza que lo rodea, todos señalando a un director franco-mexicano inmensamente prometedor con potencial no solo técnico pero con mentalidad radical, virtud siempre bienvenida.

Déficit (2007)

DEFICIT Gael García Bernal, 2007
70/100

Significativo debut del popular actor consentido de Cannes, una opera prima que parecía estamparse y termina sorprendiendo. Inicialmente la historia seria presentada solo por televisión, al fundirse el proyecto García Bernal y el escritor Kyzza Terrazas deciden probar suerte con el largometraje filmado en cámara digital. La sinopsis pintaba media hora de Casos de la Vida Real con su división de clases sociales y discriminación, pero Gael supera el reto prevaleciendo ante casi toda pretensión al cual el drama ambiciona. Déficit, un filme que ansía actitud libre, tal vez su mayor atributo.

Una fiesta reúne a un grupo de jóvenes en un reventón de caras bonitas, Cristóbal, el anfitrión que gusta de música urbana complica las cosas causando tensión entre sus invitados. Dos invitados especialmente serán los targets de atención e ira. Dolores, una guapa argentina que ha deslumbrado al Junior, ahora el tendrá que ingeniárselas para desviar a su novia. Adán, un trabajador de la lujosa casa que termina robando la atención de algunas invitadas, causando furia en Cristóbal, quien lo ve como un simple sirviente.

Afortunadamente la historia se alimenta de las diversas charlas entre amigos, se susurra cuando hay algo que esconder, se grita cuando se tiene el privilegio de hacerlo. Y tal como a los invitados en la fiesta, al director y escritor se les complican los tópicos. Llega un momento donde esa libertad demanda alguna dirección, un poco de guía para no perderse entre los rituales la fiesta y el comentario moralista de la cinta. Bernal es cuidadoso al no mostrar sus temas en formas extremistas, no todo debe de ser blanco o negro. Hay un espacio estrecho entre estos que se convierte en un destino opcional para Cristóbal, su ego no le permite pisar terreno intermedio, pero sus miedos apuntan a esa estabilidad que el gris ofrece.

Y agradecemos otra línea de actores promesas, liderados por la actriz argentina Luz Cripiota y Tenoch Huerta. Así como también la excelente supervisión musical, queremos soundtrack. El trabajo técnico respira también de esa libertad interpuesta, con aportes formidables de Eugenio Polgovsky en la fotografía y el nominado al Oscar por Children of Men Alex Rodríguez en la edición. Inevitable ignorar las referencias hacia las magistrales obras jóvenes de Gerardo Naranjo y Alfonso Cuaron. Y aunque nunca alcanza la libertad a plenitud, por lo menos la admira y aprende de ese privilegio tan exclusivo.

Déficit estará en las pantallas gracias a Videocine, se estrena este viernes.

Partes Usadas (2007)

PARTES USADAS Aaron Fernandez, 2007
65/100

Con el estreno de la opera prima de Fernandez, por fin sumamos la mitad de las cintas presentadas en Guadalajara 2007. Aun pendientes se encuentran las estupendas Año Uña y Opera, ademas de Esperame en otro mundo, Polvo de Angel, Cementerio de Papel y El Brassier de Emma.

Partes Usadas es una bien intencionada propuesta que se valancea entre el la grandeza del neoralismo Italiano y el cine pobre miserablista latinoamericano. Excelentemente actuada por los jovenes Emery Eduardo Granados y el doblemente nominado al Ariel Alan Chavez. El interes de uno de ellos por llegar a territorio Americano, lo involucran en el negocio del desmantelamiento de carros. Partes usadas y robadas por supuesto, la historia se interpone a los errores de continuidad y el agotamiento de la cinta en sus ultimos minutos.

La confianza, amistad y lealtad conducen a unos personajes interesantes, pero que no llegan a trascender emocionalmente y son poco memorables. Su director, se luce capturando exteriores y creando atmosferas que hacen de su filme, un disparejo pero digno debut merecedor de un vistazo.

Nota: Me pregunto si la Academia Mexicana no se confundiria con los nombres de los dos jovenes. Sin quitarle ningun merito al cada vez mas asombroso Alan Chavez, hay un claro protagonista de apellido Granados.

El Viaje de la Nonna, 2007

EL VIAJE DE LA NONNA Sebastián Silva, 2007
80/100

Comedia familiar que paso casi desapercibida en su estreno comercial, una lastima, pues es tal vez la mejor comedia mexicana desde Matando Cabos. Ana Ofelia Murguía interpreta extraordinariamente a la nonna, una abuelita a la que ya se le están olvidando las cosas. Recientemente viuda de un italiano con quien formo una familia que ahora cuida de ella. La vida es corta, el sueño de la nonna fue conocer San Todaro, el pueblo natal del nonno, su familia no esta en la disposición para acompañarla. Tal vez por egoísmo, pero tampoco dejaran a la abuela subirse a un avión para emprender el viaje sola. En el día de su cumpleaños, los retoños, nietos y los nueros por fin deciden dar oídos al corazón de la familia.

El arranque no es tan afortunado, pero hay una ligereza en su fotografía y edición que nos concentra en la familia, sus travesuras y la Italia encantadora que construyen. Un filme de actores, algunos de ellos con carisma naturalmente incluido y otros a los que por primera vez les conocemos su lado tierno. Hay complicaciones algo forzadas, personajes de sobra, pero el filme siempre termina estimulando sonrisas. Esas carcajadas que nos dejaron debiendo Llamando a un Ángel, La Leyenda de la Nahuala y Mosquita Muerta. La actuación más sobresaliente de los familiares es la de la nieta Teresa, interpretada por una Jimena Ayala encantadora a la que ya hacia falta verla en un papel totalmente diferente a la que nos tiene acostumbrados la pareja Sistach-Buil (Perfume de Violetas, El Brassier de Emma & La Niña en la Piedra).

No estamos seguros como reunieron tanto buen actor, nos llega la sensación que la magia de la cinta se encuentra en que es un proyecto de cuates. Pero no solo divierte, su historia es tremendamente enternecedora y sus últimos minutos son colosalmente conmovedores. Que decir de las participaciones especiales de la pareja inolvidable de Parpados Azules, Cecilia Suarez como la actriz versátil cantando el clásico Volare y Enrique Arreola como el borrachín que recibió solo tres palabras en su guion y pasea su burro por todo el pueblo.

Estamos ante uno de esos casos en los que la película no cabe en las líneas de cine de arte, ni tampoco de comedia comercial. Se queda en un punto intermedio peligroso a la hora de exhibirse, pero que igual entretiene a los seguidores de historias radicales como a los que prefieren digerir algo mas ligerito.

Quemar Las Naves (2007)

QUEMAR LAS NAVES Francisco Franco, 2008
80/100

El debut nada tímido del director teatral Francisco Franco es un asombroso drama que compone su propio lenguaje y lo interpreta con un tono sublime y todo colorido. El director novel y su guionista Maria Rene Prudencio parten de un mismo punto, y lo más importante es que buscan la misma meta. No existe esa tensión absurda, competitiva y consumidora entre guionista-escritor tan característica en el cine nacional. En cambio existe una hermandad que les permite esquivar las ataduras del sentimentalismo, la terquedad de guionista frustrado y el comentario moralista innecesario.

Una historia de dos hermanos situados en el punto intermedio del aislamiento y la densidad familiar. Situada en provincia, específicamente en la colonial y encantadora ciudad de Zacatecas. Una madre moribunda que desconoce el vínculo tan fuerte que existe entre sus hijos Helena (Irene Azuela) y Sebastián (Ángel Onesimo Nevares). Franco se apoya en la adolescencia de los personajes para profundizar temas riesgosos como el conservatismo que los rodea dentro un entorno Católico, la muerte y el acercamiento sexual de los jóvenes que parece confundir la etapa más trascendental de sus vidas.

Al parecer llego una ola de conciencia adolescente en los directores mexicanos. Por décadas nuestro cine formuló un pesimismo brutal hacia la juventud mexicana. Si no éramos del club púber, le metíamos a todo o solo podíamos desahogar nuestro coraje y crecer en las calles. Franco se una a la corta lista de cineastas que encuentra en nosotros historias sugestivas, un cine que deja de mirarnos con amabilidad hipócrita y deja de sermonearnos. No es cuestión de rebeldía, es cuestión de ese respeto tan carente en cintas como De La Calle (Tort, 2002) o Amar te Duele (Sariñana, 2003). Personajes contenidos que van desvolviendo poco a poco su intriga, y la genialidad de individuos externos que tratan de penetrar un círculo familiar más fuerte que nunca.

Visualmente hermosa, empezando con la fotografía bien iluminada y creativa de Erica Licea, una de las pocas mujeres capturando audiovisuales en Latinoamérica. Actuaciones de cuadro de parte de actores veteranos ya reconocidos, pero obviamente son las caras nuevas las que terminan apoderándose de la memoria. La prometedora y arielada Irene Azuela consigue una actuación formidable, de esas en las que el actor tiene la virtud de robar cámara pero no cínicamente pues es un suporte a otros actores con poca experiencia. Una partitura que lo mismo se escucha moderna como folklórica. Y como no, viniendo de el integrante mas bohemio de Café Tacuba.

Un colectivo bien organizado, han sabido quemar las naves de lo tradicional, moralismos y cursilerías para ser libres en su arte.

La Misma Luna Review

LA MISMA LUNA Patricia Riggen, 2007
FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO DE LOS ANGELES
55/100

Carlitos Reyes, fue más que interesante admirar a toda una sala de cine caer bajo el encanto de un personaje con mi nombre. Un estreno simultaneo en Estados Unidos y México de La Misma Luna, encuentra en los dos lados del charco audiencias sedientas de historias como la de Carlitos, a quien la vida le arrebato a su madre soltera que se ha partido al norte en busca de estabilidad económica. No acaba de presentar su base de personajes cuando una llamada entre madre e hijo nos estremece. Desafortunadamente ese efecto parece reciclarse durante dos horas, comienza a golpearnos cínicamente, trabajando su manipulación con humor e inocencia. Aun así, cuando el clímax se presenta, ese knockout es difícil de esquivar, es colosalmente conmovedor, pero no deja de ser un final comprometido.

Un guión que se basa en coincidencias es un guión que carga con su propia cruz. Ligia Villalobos intenta ponerle rostros a las cifras de indocumentados cazando al lobo por los cuernos. La historia funciona más con la historia maternal que si bien ya esta formulada, termina por ser el sustento de diálogos cansados y donde no hay mucho espacio para personajes o decisiones grises. Una historia que pinta a los americanos (tanto anglos como los chicanos) con demasiada frivolidad y un misterioso encanto que invade a los compatriotas. Y en efecto, si existe una werita buena y unos mexicanos malos, pero no terminan por aportar absolutamente nada. Fueron puestos ahí aparentando intermedios y terminan sofocando al ya cargadísimo melodrama.

Y si de coincidencias hablamos, la mas inaudita de todas es un encuentro con “los jefes de jefes” ósea Los Tigres del Norte. Cuando pensé que ese encuentro sumaria más náufragos a la barca llena de lágrimas, la aparición de los hermanos felinos le aporta un segmento encantador con su música. Su presencia también sirve como un conductor de tiempo, siguen cantando las mismas historias de hace décadas, el candente problema parece no poder ser extinguido. Y hablando de figuras icónicas, también fue agradable el cameo de Mario Almada, la leyenda del videohome. El filme también toca el dilema del chicano con las actuaciones de America Ferrara y Jesse García.

El viaje de Carlitos lo hace crecer, las personas cambian como dice la figura paternal durante el viaje. Hay que reconocer el esfuerzo de Eugenio Derbez en su primer papel dramático, aunque no se aleja demasiado de la comedia. Todo un reto para el actor que pese a quien le pese, es una sonrisa de México, algo que le trae consecuencias. Cualquier dialogo emergiendo de su boca fue recibido con carcajadas de una audiencia con una expectativa previamente formalizada. Una historia bien intencionada, que nos llega en un momento crucial y sensible a los residentes de los Estados Unidos. El filme encuentra una nueva audiencia en los cines Americanos, quede sorprendido al ver la cantidad de espectadores maduros que posiblemente hayan sido atraídos por la afortunada cobertura de las cadenas de televisión latinas de televisión, Univisión-Telemundo-MTV3. Actuaciones redondas por todos lados, una Carmen Salinas sensacional, una Kate del Castillo cumplidora, y un Adrián Alonso bastante digerible y simpático para el buffet lacrimógeno.

Aquí el videoclip de la muy buena canción “Por Amor” de Los Tigres del Norte.

La Zona Review

LA ZONA Rodrigo Pla, 2007
ESTRENO COMERCIAL
80/100

Cuando la ambición yace en cada escena, se esconde un comentario social y siguiéndolos un thriller riguroso que busca entretener. La estética del filme, las maravillosas actuaciones y su intencionada torpeza se interponen a la decadencia del guion en los últimos segmentos donde en efecto pisa el terreno del melodrama hollywoodense. El director debutante parece presentar sus victimas y victimarios con una lupa a máxima resolución, llevando casi todo a terreno extremo. Pero en ello se ampara con metáforas y cuestionamientos morales que son bien calibradas y donde hay objetividad, aun si esa imparcialidad entre los personajes padezca de cursilería.

Una secuencia inicial de hallazgos venenosos, de anticipación y tensión acompañada por una partitura lenta y obscura. También notable es su posición hacia los niños y jóvenes uniformados (y no solo uniformes de escuela) que residen en la zona. Son parte de ella, participan de un modo o de otro, son la mayor motivación para sacrificar el mundo atrás de esas paredes altas espinadas y vigiladas por cámaras de seguridad. Los habitantes de este “paraíso” son una minoría, aplican sus propios códices y regulaciones en todos los sentidos. Mantienen una pequeña paleta de colores para sus hogares, buscan el orden que la democracia exterior no les puede ofrecer.

Las decisiones de su escritora Laura Santullo (esposa del director) parecen desviarse del discurso social, empieza una odisea donde la moralidad es manejada en su mas intensa expresión (enojo), una clásica fabula al “ojo por ojo…” La constante llegada y ausencia de la luz señala el contraste de posiciones entre los vecinos, así como el poco entendimiento entre sus habitantes y aquellos que al adentrarse en la zona encuentran un idioma de impunidad y delirio.

La cinta es tan moderna como la tecnología que vigila cada calle de la lujosa zona residencial. Una edición trascendental, y una fotografía notable (especialmente en la escena de los chavos corriendo en un campo jugando a los soldaditos). Las actuaciones son impactantes, interesante que las caras mas conocidas son las mas desapercibidas (Verdu & Giménez Cacho), los jóvenes Daniel Tovar y especialmente Alan Chávez (nominado al Ariel) se lucen entre el festín de actores de moda. También el justamente nominado Mario Zaragoza, en un papel totalmente diferente con el que nos convenció en Desierto Adentro, también del director México-Uruguayo. Y aunque Mayra Serbulo tiene un papel de cuadro muy pequeño, entiendo la admiración de la academia mexicana. La última escena de Serbulo es una de las escenas más conmovedoras que veamos este año.

Un debut notable, con decisiones inconscientes y tal vez poco creíbles, pero que funcionan en un thriller que desde su apertura se presenta como un argumento crudo y desolador.

Mejor es que Gabriela no se muera

Mejor es que Gabriela no se muera

De: Sergio Umansky
México, 2007
AFI ’07 Fest
65/100

El 2008, el 50 aniversario de la telenovela Mexicana, culebrones de melodrama casi siempre absurdos y predecibles. La telenovela es la forma de entretenimiento más fiable, caricaturesca, barata y populachera en los hogares hispanos. Es bombardeada durante el almuerzo, comida y cena, además de alimentar la conversación. Nos guste o no, la telenovela se a convertido en la sal y el limón del entretenimiento Iberoamericano. Tanto, que visitan la pantalla grande de vez en cuando en la mano de Paco del Toro (Cicatrices '05), Juan Pablo Villaseñor (Espérame en otro mundo '07) o Ricardo Montreuil (La Mujer de mi Hermano '05). Esta forma de contar historias alimenta al escritor venezolano Ricardo Hernández Anzola y al mexicano Sergio Umansky. Juntos buscan digerir o entender la fascinación por el género de televisión con una visión hilarante pero muy nublosa.

La trama cuenta como un policía (Dagoberto Gama) decide no sancionar a Miguel (Mauricio Isaac) por una violación de transito cuando se entera que este es el mero escritor de su telenovela favorita, Destino de Amor. A cambio del favorcito, le pide al escritor que le de un adelanto sobre lo que viene en eso que lo tiene a el y sus conocidos pegados al televisor todas las noches. El policía ignora que los escritores no son de fiar.

Los primeros actos de la cinta introducen una sátira inquietante y bien mesurada que aspiraban a una interesante meditación del género. Si las telenovelas en si son exageraciones tercermundistas o apocalípticas de la sociedad, el director empuja aun mas la idea de procesar la telenovela. Umansky disfraza su propuesta recreando el universo telenovelero detrás, dentro y fuera de las cámaras. Un excelente uso de los sets, el director sabe donde y cuando colocar cliché/frase pop para provocar carcajadas. Una virtud tan mal empleada y forzada en el cine nacional, especialmente en la animación.

Después de presentarse, Umansky y Hernández aventuran la prometedora comedia para saltar al cráter del cine, la tragicomedia o el dramedy que termina por atascarse en su toda abarcadora idea. Cuando la historia es expuesta al trama violento se pierde en su propia coherencia, se desconecta de su fresca propuesta para complicarse en ataduras de cine de protesta. Donde no caben las coincidencias, los saltos y las cursilerías que esta misma voluntariamente fabrica. Se convierte en material frágil, de mírame pero no me toques. La idea principal sigue ahí, enterrada sofocándose con lo mismo que se sepultan las telenovelas, los complicados subplots y un guión terco engolosinado. ¿Pero en que momento la ridiculez se convierte en una forma de manifestar una idea, cuando llega a considerarse una virtud?

La opera prima de Umansky muestra signos claros de talento, innegables muestras de complejidad y genialidad que se complican al despegar. El trabajo técnico es impecable, una diseño de producción rustica exquisita de Juan Pablo García ambientadas por la visión de Mogollón. Celina Cárdenas, es de las pocas fotógrafas activas dentro nuestra industria, aquí muestra su mejor trabajo y demuestra que fue acertada la idea de tener a una mujer capturando el mundo de las telenovelas y sus efectos. Después de todo es el mundo femenino el principal target de las telenovelas. ¿O no?

Para salvar al filme de la bestia, hace faltar llorar y alzarle las manos a un Armando Casas y la genial Un Mundo Raro (2001). Cine que puede presumir de una realidad social y su intento formidable de ridiculizar un medio como la televisión. Veremos si algunos no se siente defraudados al ver a Rene Casados, Eduardo Santamarina, Alejandra Barros o Laisha Wilkins solamente en cameos. Su estreno mundial en el AFI 2007 fue por mucho el mas exitoso dentro las latinoamericanas que fueron exhibidas. Entre ellas obras mas redondas como Déficit (García Bernal, 2007) o Partes Usadas (Fernández Lessur, 2007). Bien cuidada, Mejor es que Gabriela no se muera promete ser un plato fuerte en la taquilla mexicana.

El Color de los Olivos

El Color de los Olivos
De: Carolina Rivas
México, 2007
DVD
60/100

La familia Amer

Documento disparejo pero meritorio sobre una familia Palestina que tienen que sobrellevar los problemas consecuentes de una absurda guerra y una sociedad inconciente. El debut de la maestra Carolina Rivas es un filme de denuncia que se enfoca en solo una página de las miles de familias que han sido afectadas por ambiciones políticas. Rivas presenta la intima historia de una familia opresa por el gobierno Israelí que los ha limitado su libertad creando barreras alrededor de su hogar, arrancándoles sus caminos trazados y aislándolos en un espacio gris. Estos muros vergonzosos los separan de huertas coloridas de las cuales ellos solían vivir, el patrimonio para futuras generaciones. Solo los poderosos tienen llave para liberar sus ganas de recoger los frutos de su tierra ahora perdida.

El documental en lenguaje Árabe sufre de problemas similares a los de The Axe in the Attic (USA, 2007) y hasta en cierto punto Redacted de Brian De Palma. Películas que tratan de ser objetivas pero que sus directores han adoptado como espejos a sus puntos de vista. Ya sea sobre el huracán Katrina, la guerra en Iraq o la tensión política actual que atormenta al Medio Oriente. El interés de cada director esta cementado, fracturando de inmediato cualquier virtud en objetividad.

Aunque la cinta esta filmada con solo luz natural, lo técnico carece de honestidad. Hay una fijación por mostrar a la familia de una forma deprimente, con escenas donde parece que en ese hogar no pega ni un solo rayo solar. En lo que si acierta Rivas es en relatar una historia desde el punto de una mirada extranjera. Rivas se preocupa más por mostrar a la familia a la distancia que confrontándolos a una cámara que posiblemente los haría sentir más agraviados de lo que ya están. La directora es sensible y nadie puede negarle sus buenas intenciones. Sin embargo el acercamiento tan cerrado limita el potencial de un tema tan sugestivo.

El documental es la primera apuesta de una tetralogía de la directora, ya fue exhibido a principios del año en el FICCO y en las siguientes semanas será revisada por la Academia Mexicana para buscar por lo menos una nominación al Ariel. El dvd ya esta a la venta en Estados Unidos, o mejor dicho ya esta a la venta en la Web. Por su mensaje social, también se puede encontrar en librerías estatales alrededor de la republica mexicana.

Bella

Bella
De: Alejandro Gómez Monteverde
México-Estados Unidos, 2006
Corrida comercial
55/100

Monteverde debuta con una cinta ambiciosa, visualmente hermosa, pero con mediocre ejecución. Metanoia Films con financiamiento México-Americano intenta proyectar una imagen supuestamente diferente sobre la comunidad latina, una que ha estado codificada por Hollywood y que ahora un par de mexicanos buscan limpiar. Se admiran las intenciones, pero el resultado es un proyecto diabético y ultra-simpatizante sobre la comunidad latina. Lo que empieza como una cinta intencionada a quebrantar el estereotipo latino termina en un proyecto forzadísimo que se atreve a comparar a las familias Americanas con las familias latinas, siempre gritando que el ser hispano es una bendición.

Además de su mal manejo pro-latino, la cinta lleva como tema central el aborto. Ganadora del gran premio del público en Toronto en el 2006, se esperaba que distribuidoras gringas babearan y se pelearan por adquirir la película, el proceso para que la cinta viera la luz fue tediosamente lento y ninguna distribuidora grande obtuvo sus derechos. Con la ayuda del word-of-mouth especialmente de organizaciones religiosas pro-life se consiguió por fin la anhelada fecha de estreno con Roadside, resultando en una de las cintas independientes más taquilleras del año.

El papi chulo, “Mexican Brad Pitt”, Eduardo Verastegui interpreta a José, un ex-futbolista deprimido a quien un accidente le arranco la pasión de la pelota. Ahora trabaja como cocinero en el restaurante de su hermano, cargando una barba muy al estilo del mismo Jesucristo; o tal vez una forma de esconder a un rostro que ha perdido su encanto. Una actuación sorprendentemente decente de parte de Verastegui, con claras fallas de dicción, considerando que es una familia con raíces Méxi-rican pera formada en Nueva York. La simpática Tammy Blanchard interpreta a una mesera con un problema, un embarazo no bienvenido. El trabajo del reparto es bueno, especialmente Tammy Blanchard y la casi siempre esplendida Angélica Aragón (en un ingles perfecto).

Monteverde elabora una cinta poco objetiva, pero que nunca es cínicamente persuasiva como Punto y Aparte (Paco del Toro, 2002), sin embargo no evita pisar el terreno de la culpa y el melodrama chantajista de una secuencia irresponsable que es la pesadilla del personaje principal. José y Nina empiezan una caminata por la ciudad maravilla, Nueva York, pasando por el acogedor hogar de los padres de José, un vistazo retro a las pesadillas de ambos, para finalmente llegar a la playa.

Una fotografía hermosa de Andrew Cadelago, con ingeniosos close-ups y una edición llena de transiciones le hacen honor al titulo de la cinta. Al final solo adornan un retrato barato que sabe a eternometraje y deja muchas preguntas. Su mensaje generoso no marcha, el optimismo de presumir la cultura falla, su realizador opta por escenas superficiales que solo distraen a la audiencia. Bella es un crowd-pleaser que difícilmente será digerido por una audiencia liberal. La moral que presume es suficiente para que su corrida comercial en México sea exitosa.

3 Documentales

Documental, Los Buenos Tiempos

El documental, genero que sin duda vive su época de ero mundialmente, y el documental Mexicano no es la excepción. Si bien son muy pocos los afortunados que logran ver la luz comercial, los documentales nacionales dan alivio a el poco confiable cine de ficción mexicano. Tal vez sea afortunado, tal vez he sido demasiado selectivo, pero me sigue sorprendiendo que el único documental nacional que no me ha convencido es la resentida opera prima de Olalla Rubio, Y Tu Cuanto Cuestas (México, 2007). Los restantes han resultado ser testimonios honestos, algunos disparejos pero bien hechos. Algunos sobresalen más que otros, una lista liderada por mujeres directores. En mi lista personal pondría los siguientes filmes: Al Otro Lado (Natalia Almada, 2006), Trópico de Cáncer (Eugenio Polgovsky, 2004), Recuerdos (Marcela Arteaga, 2003), Toro Negro (Armella y González, 2005), La Canción del Pulque (Everardo González, 2004), 1973 (Antonio Isordia, 2003) y las obras afectuosas de Juan Carlos Rulfo: En El Hoyo (2006) y Del Olvido Al No Me Acuerdo (1999). Un género descuidado por las distribuidoras, pero también victimas de sus despreocupados directores que poco hacen para promocionar sus películas más allá de presentarlas de festival a festival.

Los Laberintos de la Memoria
De: Guita Schyfter
México, 2007
Festival Latino de San Francisco
75/100

La obra mas completa de la méxico-costarricense Guita Schyfter, el proyecto mas intimo de su carrera. En la búsqueda de identidad, dos mujeres adultas emprenden el viaje que las consumara como personas. Maité, una mujer chiapaneca después de ser adoptada en más de una ocasión, siente la necesidad de buscar a su madre biológica. Maité, ahora residente en La Habana, Cuba, y que al tener sus propios frutos pide de favor a Schyfter que le ayude a buscar a la mujer que la trajo a este mundo. Así mismo, nace en la directora veterana de origen judío un impulso que le permitirá al igual que a Maité, dar razón o entender mejor su origen. De esta forma, Schyfter decide por primera vez, voltear la cámara hacia ella misma, igualmente acompañar a la chiapaneca en su búsqueda en México, mientras la directora hará paradas continuas para encontrar sus orígenes Europeos, sus padres son originarios de Ucrania y Lutania. La escena inaugural es hermosa, tortugas adultas marchando lentamente al lugar que las vio nacer, la directora hace con estas primeras imágenes un fotograma de belleza natural, jamás cayendo en el simbolismo barato y introduciendo a la audiencia a su regreso acuático. La cinta llega a ser conmovedora, aunque en momentos se siente cargadísima de tópicos innecesarios que van desde el origen maya, hasta las razones políticas que exiliaron a los padres de la directora. La producción muestra signos de poco presupuesto, pero esta fotografiada cósmicamente por Sebastián Hirart, dejando una impresión elegante y respetuosa.

La Guerrilla y la Esperanza
De: Gerardo Tort
México, 2005
DVD
70/100

Estreno reciente en México, y disponible en DVD en los Estados Unidos mucho antes de su estreno local, es un acertado documento del guerrillero Lucio Cabañas. El líder del movimiento campesino en lucha por la justicia durante decadas (60s y 70s), aun después de su muerte, la rebelión continua, la movilización social sigue presente. Recientemente en Oaxaca y Atenco, la lucha social invade a los más vulnerables en México, Lucio Cabañas es el icono rural con historia de rompecabezas, y el documental es el intento de Tort de reconstruir su vida en un documental con disparejo ritmo, pero con nutrida investigación. Aunque no es tan sensible y testimonial como El Violín (Francisco Vargas, 2005), el documental presenta testimonios de los ‘protagonistas’ del movimiento que lamentablemente solo se enfocan a dar razón u ofrecer su admiración hacia el guerrillero. Un documental riesgoso que a pesar de ser poco objetivo al lado opuesto, mantiene respeto hacia el pensamiento urbano y rural de aquel México violento y ese personaje clandestino al gobierno de Luís Echeverría. Una vez más, el documental carece de buen tratamiento técnico, esta vez no tanto por su presupuesto, si no por la descuidada y exigente edición de un proyecto comprimido de documentos, grabaciones, audios, y recortes periodísticos todos contados desde un presente. El documental es un emblema de la lucha hacia un punto de encuentro entre el universo rural y el estado.

Los Laberintos de la Memoria
De: Perez Torres
México-Canada, 2007
Festival Latino de San Francisco
70/100

Los héroes populacheros Mexicanos llevan mascara. El segundo documental de Pérez Torres es un bien intencionado pero irreverente film de protesta que bizarramente sostiene una idea ambiciosa y a veces desequilibrada. Presenta a cinco héroes Mexicanos, enmascarados activistas por diferentes causas con intención de salvaguardar a la Ciudad de México. Afortunadamente, no sigue la narrativa reciclada de la mayoría de las películas de luchadores (casi todos churros), y opta por presentar estos personajes chuscos en una forma refinada, luchando fuera del ring y poco aplaudidos. Los superhéroes son Fray Tormenta, Súper Gay, Súper Barrio, Súper Ecologista y Súper Animal. Hay desequilibrio entre los personajes, pero Súper Gay y Fray Tormenta son por mucho los más entrañables, y sus causas serán las mas mejor recibidas por el publico Mexicano. El resto de los guerreros se sienten despegados emocionalmente, aunque nos vemos aplaudiendo sus buenas causas, es difícil entender sus razones, sobre todo que el estar enmascarados sirve como una barrera que separa al héroe del resto de los normales. La cinta no deja de ser un comic colorido y el formato es elevado aun más con afortunadas animaciones que hacen de los Súper Amigos un posible éxito comercial. Un comic esta vez, con realismo latente que invita a realizar cambios, que invita a ponerse la mascara, el traje, la capa, emprender la lucha y usar el poder que esta vez no es exclusivo a unos cuantos.

La Leyenda De La Nahuala (2007)

La Leyenda de la Nahuala
De: Ricardo Arnaiz
México, 2007
Corrida Comercial
60/100

La opera prima de Ricardo Arnaiz, bien podría ser la mejor película animada que se ha realizado en México. Pero esto no dice mucho, pues las propuestas anteriores habían sido proyectos irregulares aunque mucho mejor logrados visualmente. Se admira el esfuerzo que se hizo al tratar de lograr un género muy lejano a la solidez en la cinematografía nacional. También se admira el que se apueste por mostrar un cuento Mexicano, casi artesanal. Un proyecto lleno de fe y bien intencionado, donde el carisma de la cinta logra sobrepasar un guión forzado y un trabajo de animación poco convincente.

La película funciona perfectamente con su target, y en un par de escenas logra asustar a los pequeños. Pero maneja el suspenso audazmente, y que le dan a la cinta la energía necesaria y el interés de adentrarnos más a la película. Como si se tratara de una travesura de la infancia, de esas que dan miedo y por eso mismo queremos ser parte del la fiesta. Aunque es casi imposible ignorar el cliché ya muy sobre usado por la animación Estadounidense del personaje tímido y miedoso que busca revelarse.

La Nahuala no funciona tan bien con la audiencia adulta, al menos no tanto como lo hizo Una Película de Huevos (México, 2006). El cuento relata la leyenda de una casa supuestamente poseída por el espirito de una bruja que busca una alma inocente para volver a encarnar y así poder aterrar ferozmente a la humanidad. La leyenda se traslada a la realidad cuando la Nahuala se apodera de un niño, su hermano intenta rescatarlo, una tarea que lo hará crecer y posteriormente creer. El tratamiento de los personajes es en si muy rico, lastima que en lo técnico no se demuestre la misma seguridad y le reste puntos a la creatividad en conjunto.

La película tiene carisma y actitud, hay personajes entrañables que se quedan en la memoria. Las voces son afortunadas en su mayoría. En particular Rafael Inclan como el chiflado Alebrije y Manuel “El Loco” Valdez como Lorenzo Villavicencio. Logran darle un toque de magia a unos dibujos poco creativos, con rostros casi planos, con mínimos gestos y que terminan por incomodar no solo a los adultos pero también a los menores, no tan niños. Esa generación que ha crecido con Pixar, y que están en todo su derecho de exigir mejor entretenimiento.

No me quiero meter mucho en la forma que ejecuto Ricardo Arnaiz su primer proyecto. Y es que anteriormente se le habían caído dos propuestas, una muy interesante que deseo algún se realice, un proyecto también folklórico llamado Maya. Película que dejo nada contentos a varias personas del staff, y que ahora cuestionan la promoción que se le esta dando a la película.

La música de Gabriel Villar es tal vez el punto mas acertado de la cinta. Aunque nunca logra el erotismo misterioso realizado por Café Tacvba en el corto Hasta Los Huesos (Castillo, 2001), ambienta la celebración del día de muertos con cordialidad. El sonido cumple, pero la edición lo maltrata con bruscos cambios. Un trabajo en 2d, que en ocasiones se avienta secuencias en 3d que no logran funcionar pues nos quedamos con hambre y con ganas de que la película sea totalmente en 3d (para eso tendremos que esperar a El Chavo Animado en el 2009).

La Leyenda de la Nahuala es una travesura animada, en la cual los pequeños disfrutaran y los adultos percibirán un trabajo descuidado, pero que finalmente provoca simpatía. ¿Podemos regañar a Arnaiz por los descuidos aun sabiendo que nuestros hijos disfrutaron la cinta? Si pues también los padres pagan boleto.

Morirse En Domingo (2006)

Morirse en domingo
De: Daniel Gruener
México, 2006
DVD
75/100

Como si fuese un coleccionador de clichés del cine mexicano, el morboso de Daniel Gruener recolecta estas tendencias y las emplea de forma efectiva en su apenas segundo largometraje. Una película ambiciosa, que en otras manos se hubiese hundido en la mediocridad. En cambio, Gruener nos adentra a una producción estéticamente hermosa, una historia suficientemente tierna y chusca para ser apreciada como cine de humor negro. México, en los ojos de extranjeros es conocido por su forma poco convencional de aceptar la muerte como una fase más.

Gruener presenta el insólito universo del trafico de cuerpos, un mundo en el que “los muertitos contribuyen mas que los vivos”, otra forma de contrabando y una posible forma de escape para quien decida renovar su libertad o correr de la justicia. Afortunadamente, la película no se estanca en política, estudia la moral y madurez de dos hombres con mucho peso en sus espaldas.

La historia involucra a un joven, con una inmadurez evidente que no le permite aceptar su gran tristeza de perder a su tío, a quien se le ocurrió morirse en un domingo. Su padre le ordena hacerse cargo de la cremación del cuerpo, una responsabilidad que pesa demasiado para su protagonista Carlos (Humberto Bustos). Es ahí donde el efectivo guión de Antonio Armonia hace acto de presencia. La cremación de un cuerpo no es la forma tradicional de disposición de un cuerpo. El acto es macabro, poco evangélico, la idea de deshacerse de un cadáver por medio de ardientes llamas no permite a Carlos quedarse durante la cremación. Sin saber que el destino del cadáver no es el fuego de la cremación, ni la descomposición tardada de un entierro. El destino del cadáver es un ultimo recorrido que pareciera su tío tenia en mente, su modo chispeante de hacer madurar a su sobrino, entre ellos existía una relación de padre e hijo. Una conexión necesitada por ambos, pero que el joven no logra apreciar a pesar de la poca confianza que sus padres y hermana le tienen.

Son esos primeros minutos los que dan fortaleza al resto de la historia, la cual llega a ser repetitiva pero que también aprovecha el personaje de Joaquín (Silverio Palacios). La persona encargada de cremar el cuerpo, y quien ofrece ‘trabajitos’ a poderosos personajes que quieran emplear la ya conocida frase, “No estaba muerto, andaba de parranda.” Para poder cubrir sus trampas, Joaquín se ve forzado a matar perros callejeros y usurparlos como las cenizas de seres queridos como el tío de Carlos. La historia es verdaderamente profunda, nunca pinta a la muerte como una celebración ni mucho menos la acepta, al menos sin antes exponer ese sentir al miedo y al dolor. Ya conectándose de esta forma con el espectador, la cinta puede presumir de un humor acido.

Gruener y Armonia moldean una cinta potente, pero que mal aprovecha su larga duración. Trata de abarcar muchos temas innecesarios, restándole puntos, pero su ejecución técnica es ejemplar. El trabajo colectivo eleva la película y la sostiene en todo momento. La fotografía es más que adecuada, la dirección de arte le otorga los momentos góticos necesarios para esos seres que se están pasando de vivos. Pero lo más memorable de la película es la hilarante y mística música de Gabriel González Meléndez. Una partitura que no permite que la cinta se involucre en lo melodramático, algo que sucedió con la repetitiva música de Daniele Luppi en Malos Hábitos (México, 2007). La edición me recordó al trabajo sensible caudaloso de Carlos Bolado.

Morirse En Domingo también posee con un trabajo excepcional en la actuación. Silverio Palacios se ha posicionado como uno de los mejores actores Mexicanos en los últimos años, tal vez el segundo mejor después de Damián Alcázar. Al final, la cinta se la lleva Humberto Bustos, en una actuación tan notable que debería traerle proyectos al por mayor. La película participo en el Festival de San Sebastián y desafortunadamente paso casi desapercibida en la taquilla mexicana.