martes, octubre 30, 2007

Morirse En Domingo (2006)

Morirse en domingo
De: Daniel Gruener
México, 2006
DVD
75/100

Como si fuese un coleccionador de clichés del cine mexicano, el morboso de Daniel Gruener recolecta estas tendencias y las emplea de forma efectiva en su apenas segundo largometraje. Una película ambiciosa, que en otras manos se hubiese hundido en la mediocridad. En cambio, Gruener nos adentra a una producción estéticamente hermosa, una historia suficientemente tierna y chusca para ser apreciada como cine de humor negro. México, en los ojos de extranjeros es conocido por su forma poco convencional de aceptar la muerte como una fase más.

Gruener presenta el insólito universo del trafico de cuerpos, un mundo en el que “los muertitos contribuyen mas que los vivos”, otra forma de contrabando y una posible forma de escape para quien decida renovar su libertad o correr de la justicia. Afortunadamente, la película no se estanca en política, estudia la moral y madurez de dos hombres con mucho peso en sus espaldas.

La historia involucra a un joven, con una inmadurez evidente que no le permite aceptar su gran tristeza de perder a su tío, a quien se le ocurrió morirse en un domingo. Su padre le ordena hacerse cargo de la cremación del cuerpo, una responsabilidad que pesa demasiado para su protagonista Carlos (Humberto Bustos). Es ahí donde el efectivo guión de Antonio Armonia hace acto de presencia. La cremación de un cuerpo no es la forma tradicional de disposición de un cuerpo. El acto es macabro, poco evangélico, la idea de deshacerse de un cadáver por medio de ardientes llamas no permite a Carlos quedarse durante la cremación. Sin saber que el destino del cadáver no es el fuego de la cremación, ni la descomposición tardada de un entierro. El destino del cadáver es un ultimo recorrido que pareciera su tío tenia en mente, su modo chispeante de hacer madurar a su sobrino, entre ellos existía una relación de padre e hijo. Una conexión necesitada por ambos, pero que el joven no logra apreciar a pesar de la poca confianza que sus padres y hermana le tienen.

Son esos primeros minutos los que dan fortaleza al resto de la historia, la cual llega a ser repetitiva pero que también aprovecha el personaje de Joaquín (Silverio Palacios). La persona encargada de cremar el cuerpo, y quien ofrece ‘trabajitos’ a poderosos personajes que quieran emplear la ya conocida frase, “No estaba muerto, andaba de parranda.” Para poder cubrir sus trampas, Joaquín se ve forzado a matar perros callejeros y usurparlos como las cenizas de seres queridos como el tío de Carlos. La historia es verdaderamente profunda, nunca pinta a la muerte como una celebración ni mucho menos la acepta, al menos sin antes exponer ese sentir al miedo y al dolor. Ya conectándose de esta forma con el espectador, la cinta puede presumir de un humor acido.

Gruener y Armonia moldean una cinta potente, pero que mal aprovecha su larga duración. Trata de abarcar muchos temas innecesarios, restándole puntos, pero su ejecución técnica es ejemplar. El trabajo colectivo eleva la película y la sostiene en todo momento. La fotografía es más que adecuada, la dirección de arte le otorga los momentos góticos necesarios para esos seres que se están pasando de vivos. Pero lo más memorable de la película es la hilarante y mística música de Gabriel González Meléndez. Una partitura que no permite que la cinta se involucre en lo melodramático, algo que sucedió con la repetitiva música de Daniele Luppi en Malos Hábitos (México, 2007). La edición me recordó al trabajo sensible caudaloso de Carlos Bolado.

Morirse En Domingo también posee con un trabajo excepcional en la actuación. Silverio Palacios se ha posicionado como uno de los mejores actores Mexicanos en los últimos años, tal vez el segundo mejor después de Damián Alcázar. Al final, la cinta se la lleva Humberto Bustos, en una actuación tan notable que debería traerle proyectos al por mayor. La película participo en el Festival de San Sebastián y desafortunadamente paso casi desapercibida en la taquilla mexicana.

sábado, octubre 27, 2007

La Santa Muerte (2007)

La Santa Muerte
De: Paco del Toro
México, 2007

Screener [p]
30/100

Después de ver Cicatrices (Mexico, 2005), jure nunca volver a ver algo realizado por este director. Y tal parece que la tentación fue más fuerte, he pecado. Si bien no es la peor película Mexicana que se ha hecho, su sola existencia contamina las salas de cine. Sus 200 copias alrededor de la republica no dejaran mas que generalizaciones sobre el cine nacional actual, alejando aun mas al la audiencia.

La película se presenta con unos segundos muy tiernos. Una familia disfrutando de la naturaleza, sonriendo y deslumbrando paz. El resto de la cinta se pudre en disfraces, personajes caricaturescos y las ya conocidas escenas sobre- iluminadas, con música evangélica y close-ups, la escena donde el sermón substituye a la historia. El problema no son los sermones, pero la forma en la importancia que Del Toro les carga, y el cambio de 180 grados que tienen estos en los personajes. El guión de la película es más que un abandono, da risa y en momentos deja en el aire que la película es una posible sátira a la propia fe. Pero sabiendo las intenciones de su director, regresamos a la realidad, un acercamiento fílmico tramposo de un director carente de talento.

Siguiéndose en el moderado éxito en taquilla de su anterior propuesta, Del Toro opta por actores de la pantalla chica. Decisión respetable, al menos que se opte por dos actores de lo mas melodramáticos. La peor actuación la entrega Karla Alavarez, en el papel de Perla, conciente de que tiene fuerza vocal, no hace más que gritar durante dos horas. Sus gritos me provocaron miedo, pero miedo por la audiencia que tuvo que soportar sus aullidos en una sala de cine. Según la prensa Japonesa, la escena de Rinko Kikuchi en una disco, en Babel (Gonzalez Iñarritu, 2006) provoco que mucha gente se enfermera por el exceso uso de luces. Alavarez me provoco un dolor de cabeza. Me pregunto si habrá cometido su objetivo? Digo, existe la posibilidad que su actuación sea de esas que provocan sensaciones después de verlas. (If so, give her the oscar right now!)

Siguiendo la popular idea de las tres historias entrelazadas, Del Toro nos lleva al sufrimiento de tres grupos de personas. Una pareja que enfrenta la desgarrante enfermedad de su hija, un hombre ambicioso en búsqueda de su mujer amada, y una historia adultera de telenovela. Su iniciación al culto de La Niña Santa, y el precio que esta imagen demandara por sus favores. Seria imposible escoger cual de las historias es mas efectiva, pero supongo que seria la ultima, pues por lo menos da un poco de aire en su resolución. La mejor actuación seria para Amaranta Ruiz, como la amiga traicionera, conocida actriz cómica de TV Azteca.

Sorprendentemente, la película solo contiene una escena de humor y no es necesariamente involuntario como nos tenía acostumbrados. Cuando una pareja de fieles, vestidos de colores pastel, en una casa muy iluminada tratan de explicar que La Santa Muerte es aliada del diablo. Aunque Pablo (Harry Geithner) intenta escalar sus cejas lo mas alto posible, es la niña Ana Sofía Camacho quien le da suavidad a la escena y gestos naturales de cualquier menor al tratar de razonar un poco el sermón. Lo involuntario llega, cuando la siguiente escena muestra la casa de la pareja de Perla y Pablo, ambos vestidos de negro, en una casa totalmente oscura con los ecos de una casa vacía de fe. Donde la única luz la otorgan las veladoras para la santa muerte. Cambio aparentemente ingenioso, pero que en realidad solo muestra la pretensión general del bien y el mal en las tres historias.


Carlos despues de ver La Santa Muerte

viernes, octubre 26, 2007

A reirse este fin de semana

2 Estrenos, Comedias!
-------------------------------------------------------
"Mosquita Muerta" (Arte Cinema/Gussi)
de Joaquin Bissner
y
"Morirse Esta En Hebreo" (David)
de Alejandro Springall

jueves, octubre 25, 2007

Mexican Shorts Week, Cortometraje #3

Berlitad
UN CORTO DE PABLO ANGELES

Berlitad es la historia de un mundo futuristico en el cual criaturas toman el rol de los humanos y muestran una realidad triste de una sociedad basada en el dinero y una industria con poco interés a la calidad de vida que se les da a sus trabajadores. Para mostrar una vida sin libertad y poca felicidad la animación opta por ser poco colorida, y las criaturas muestran poca expresión en sus rostros. Pero al igual que en el documental de Vicky Funari y Sergi de la Torre, Maquilapolis (Mexico-USA, 2006), hay una deseo y lucha por una vida mejor, y no queda otra opción que despertar. En el caso de este ser, tendrá que enfrentarse a Sr. Control quien toma el rol de dictador en la Ciudad Robot. Es un atento para llegar a su anhelado sueño, vivir en un mundo acuático donde espera encontrar la suspirada visión de ser respetado, tener una voz y nadar en libertad. El corto animado es el más reciente ganador al Ariel como Mejor Cortometraje de Animación y el gran premio en el Creanimax en Guadalajara. En los próximos meses se podrá ver en una sala de cine, como se deben de ver los cortometrajes, es parte de el copilado La Vida En Corto (Mexico, 2007), la propuesta de IMCINE para mostrar en salas comerciales ocho cortometrajes apoyados por la institución.

Se pueden esperar a que se estrene la película, supuestamente se estrenaba en Agosto, estamos
cerca de Noviembre y sin señales de este proyecto, ustedes decidan si vale la pena esperar.


miércoles, octubre 24, 2007

Trailer de La Zona, (Mexico-España, 2007)

TRAILER DE "LA ZONA"
LA CINTA MAS ESPERADA DEL 2008

Lo habíamos estado esperando, y aquí esta el trailer de La Zona, opera prima de Rodrigo Pla, ganadora en Venecia, Toronto y Atenas. Sin duda, la película que más anticipo en el 2008. Será distribuida por Arte Cinema / Gussi en Febrero, aunque sus directores siguen proponiendo que se estrene antes de finalizar el año pues temen la piratería, ya que la cinta será estrenada en España el 8 de Noviembre. Aquí les dejo algunos extractos de reseñas, incluyendo la del metacritico Santiago Ulloa en Morelia. Las demás están en ingles, pensé en traducirlas pero detesto traducir, así que usen el google translator, muy eficaz, no siempre confiable pero se darán una idea.

“Signals another promising discovery in a film industry that is definitely coming into its own golden age”

- The Hollywood Reporter

“In his FIPRESCI-awarded debut feature La Zona, the Mexican director of Uruguayan origin Rodrigo Plá unfolds the image of a rich Mexican minority surrounded by a poor majority. The film makes a subtle use of cinematographic codes (thriller, anticipation), bringing to light a sadly realistic dichotomy: The gap in Mexican society, and the frailty of human conviction… The development soon plunges us into a classical manhunt thriller.”

- Fipresci

“An impressive feature debut that sweeps the viewer into the horrors of vigilante injustice, Pla finds the perfect balance between the eerie perfection of La Zona and the rottenness at its core, refusing to let anyone off either by action or inaction

- Variety

“ A sharp social satire, and one disturbingly close to the reality of segregated communities in many parts of South America. Pla has a worthwhile point to make and he argues it well with the help of a supremely talented cast”

- Twitch

“Rodrigo Pla es toda una promesa en el cine mundial, creo que desde Amores Perros no se producía una cinta [mexicana] ‘convencional’ con tanto calibre”

- Days of Cinema

La Zona is one of those rare films which grips you from the start and doesn't let go till the end credits roll up. It is also a rare example of a thriller and social drama which delivers on both fronts It's one of the most accomplished feature debuts that I have ever seen and you can be certain that Rodrigo Pla's name is going to be much better known in the coming years..”

- Comentario en IMDB, tomar ligeramente!

martes, octubre 23, 2007

Mexican Shorts Week, Cortometraje #2

Hasta Los Huesos
UN CORTO DE RENE CASTILLO

Tal vez el primer clásico en el cortometraje Mexicano de este siglo. Su paso por el circuito Festivalero ha sido más que asombrante. Y es que sorprende la creatividad para hacer un corto muy Mexicano, y además en stop motion. Visualmente hermoso y que trata la resignación de la muerte de una forma divertida, surrealista e inocente. Varias personas dieron el grito al estreno de The Corpse Bride (USA, 2005) de Tim Burton, un formato parecido y también muy completo. En lo personal, prefiero este cortometraje y me encantaría que algún día Rene Castillo realizara un largometraje de animación. Lamentablemente y a pesar de los muchos reconocimientos de sus cortos ganadores del Ariel Hasta Los Huesos y Sin Sostén, el director no ha vuelto a dirigir ningún cortometraje. La partitura de parte de Café Tacvba es encantadora, muy folklórica y con los necesarios acordes para adornar una historia de calacas. En Hasta Los Huesos, la muerte es más que una fase del ciclo, es una celebración al cambio contundente. Se nos queda grabada en la memoria la canción La Llorona, una de sus muchas encarnaciones.

Aquí, el encantador cortometraje:


lunes, octubre 22, 2007

Semana del Cortometraje En Cine Azteca

Estamos Por Todos Lados
UN CORTO DE SOFIA PEREZ SUNIAGA

Un cortometraje que tuve la oportunidad de discutir en el Festival Internacional de Cine en Phoenix, donde fue bien recibido, pero opacado por el corto ganador Fall (Francia, 2006). Algo muy común en todo festival que funciona presentando cortometrajes por programas. El corto de Sofía Pérez bien podría haber substituido a Barbacoa de Chivo, corto de Carlos Carrera en el trabajo colectivo Cero y Van Cuatro (Mexico, 2004), donde también participan Alejandro Gamboa, Fernando Sariñana y Antonio Serrano. Y no es que quiera eliminar el trabajo de Carlos Carrera, al contrario, me pareció un cortometraje muy redondo y conmovedor, y siento que no se merece estar entre otros tres trabajos muy inferiores. Estamos por todos lados muestra una vez mas, la inseguridad en el país Azteca, y aunque trata de hacerlo de una forma cómica muy a la Matando Cabos (Lozano, 2004), no logra su objetivo de sorprendernos. El cambio de quien es el dominante es descuidado y no funciona como ejemplo social, ni mucho menos como asalto psicológico. La mayor cualidad del corto es el gran trabajo de Gustavo Sánchez Parra, quien entretiene a pesar de un guión que cae en cliché tras cliché. Una buena fotografía de José Luís Aranda Nucamendi le otorga un tono elegante. El corto recibió una nominación de parte de PECIME (aka PECIMOS), en la pasada edición de las Diosas de Plata y recibió la Espiga de Plata en el festival de Valladolid.

Ahora si, el cortometraje de 7 minutos, veanlo y opinen!


sábado, octubre 20, 2007

Fraude, 15 de Noviembre

Dandole Mas Promo a Mandoki


Desde hace unas semanas traigo la intención de publicar algo sobre la nueva película de Luis Mandoki, el documental Fraude (Mexico, 2007), sobre el supuesto fraude de las elecciones presidenciales, Calderon/AMLO. La verdad no lo había hecho porque esta de hueva hablar del tema. Visitando el blog de El Perro Cafe me encontré con una entrada dedicada a la película y que suma todo lo que pienso sobre este documental. El cual se estrenara este 15 de Noviembre con 200 Copias!!!, será triste ver que el maravilloso documental En El Hoyo (Rulfo, 2006) ya no seguirá con su titulo del documental con mayor éxito en taquilla. En el FICCO se exhibió la primera producción sobre el candente tema, un documental donde colaboran un par de amigos míos, Calles Amarillas de Isaac D. Quesada.

Mandoki ya nos había presentado su primera oración para el personaje, con sus propuesta de videohome en ¿Quién es el Señor López? (disponible en TuTubo) , un proyecto que demuestra el limitado talento de este hombre, del lado de largos de ficción sus resultados no son muy diferentes, basta ver Voces Inocentes (2004) para darnos cuenta de eso. Mantengo mis reservaciones a este producto, creo que todos ya se olieron mi negatividad hacia la cinta, aun sin antes verla. Pero ahí es donde viene el articulo en El Perro Café, en realidad no es el tema ni su director, ni siquiera su mensaje politico, si no la forma tan descarada de llamar la atención de los medios y manipular a la prensa para que este 15 de Noviembre todos vayamos a ver Fraude, una película de millones de Mexicanos dirigida por Luís Mandoki. Hasta el tag es asqueroso...

Como siempre respetamos cualquier opinión, creo que se sentirá algo de tensión cuando se estrene, hace días Allison Montenegro de No Te Pido Flores hablaba en su blog de posibles cegamientos al ver ciertas películas. Y creo que Fraude esta destinada a ser percibida de esta forma, será difícil el diferenciar opiniones políticas a el ojo crítico, sobre todo siendo un tema tan reciente que todavía es discutido por los medios.

No acostumbro a robarme posts de otros blogs, pero esta vez fue totalmente necesario, y estoy seguro que el metacritico Juan Carlos Romero no se molestara. Aquí, unas líneas de el articulo "Quiere Promover Su Pelicula?, Mienta Como Luis Mandoki" del ya mencionado blog. Leer todo el articulo aqui.

El 3 de septiembre pasado, el director y el ex salinista, ex colosista, ex foxista denunciaron presiones de Televisa en contra de Warner para frenar la distribución y exhibición de un documental sobre el proceso electoral de 2006. De inmediato, como viene haciéndose costumbre, alegaron censura y abrieron una cuenta en Banamex para que la gente depositará donativos en efectivo en favor de su causa.
Ambos podrán pintarlo como quieran, pero lo cierto es que recurrieron abiertamente al engaño para publicitar su película. Al grito de ¡represión!, ¡represión!, los lopezobradoristas exhibirán a partir de este fin de semana, en mil salas de todo el país, el tráiler de su documental Fraude: México 2006, cuyo estreno está programado para el 15 de noviembre con 200 copias. Para ser una cinta a la que las oscuras fuerzas del país intentan poner una mordaza, Fraude: México 2006 tendrá 10 veces más salas que El violín o En el hoyo, que salieron con 20 copias, 20 veces más que Mezcal y El cielo dividido (10 copias), e incluso tendrá 20 copias más que el estreno comercial de Fuera del cielo (180).

El esplendido blog Cineasta Regio tambien predice un exito en taquilla:

Además, el propio Mandoki señala que el próximo 15 de octubre de 2007 se estrena el trailer del documental en las salas de cine de todo México, así que vale la pena ir a verlo. Me parece que el nuevo documental de Mandoki recorrerá el mismo camino de La ley de Herodes (Luis Estrada, México, 1999) y El crimen del padre Ámaro (Carlos Carrera, 2002), que obtuvieron un inmenso éxito de taquilla, gracias a los intentos de censura que hubo por parte del gobierno y de ciertos grupos conservadores. El tiempo lo dirá.
Y por ultimo, el esperado trailer.


viernes, octubre 19, 2007

Hasta El Viento Tiene Miedo Estreno

En Cartelera, 180 copias

Tuvo su première mundial en el festival de Morelia, la esperada adaptación del clásico de Carlos Enrique Taboada ya esta en cartelera. Un estreno grande, casi 200 copias, distribuida por la poderosa Videocine, quien tiene todavía un éxito modesto en taquilla con La Santa Muerte (2007, Del Toro). La opera prima de Gustavo Moheno ha sido hasta el momento, bien recibida por la critica, en especial con las revistas de artes como Rolling Stone, Premiere y Cinemania. Nuestro metacritico en Morelia Santiago Ulloa dijo, "Creo que Gustavo Moheno entendió que seria imposible el hacer un remake con las mismas ideas que la cinta original, el director arriesga por guiarse en la misma base que Taboeda pero realiza una película moderna, que tal vez a muchos fans de la original no les vaya a convencer. A mi me pareció una grata sorpresa, y creo que muchos de los metacríticos de este blog se van a sorprender"

Nunca me apresuro a predecir éxitos taquilleros, pero creo que esta cinta tiene todo para conseguir buenas cifras. Premieres con bastante prensa, presentadora en los premios MTV, spots televisivos, respaldo de Televisa, una actriz en el papel protagónico que tiene en su filmografía a las exitosas Amar Te Duele (2001, Sariñana), 7 Días (2005, Kalife) y Niñas Mal (2007, Sariñana). Ninguna de las cintas mencionadas obtuvieron la aceptacion de los criticos. Extra, será la 5ta cinta de genero en estrenarse este año: Kilómetro 31 (2006, Castañeda), Cañitas (2007, Estrada) , J-ok’el (2007, Williams) y La Santa Muerte (2007, Del Toro).

Muchos nos tendremos que esperar meses tal vez años para poder verla, es la típica cinta que termino viendo al ultimo, y es que siempre las cintas comerciales son las que mas se me dificultan pues rara vez son seleccionadas a festivales, y mas si son estrenadas en este semestre del año en el cual no acostumbro a visitar México. Desconozco si saldrá a la venta algún soundtrack, pero me ha gustado muchísimo la música de Eduardo Gamboa y también la canción de "Toma Mi Mano" de Belanova y Fito Páez. Aquí les dejo en tunefeed incluido en el blog de la película con algunos themes de la esperada cinta.


miércoles, octubre 17, 2007

LALIFF 2007

LALIFF/2007
Paúl Leduc y Simón Bross Fueron Galardonados

Por la falta de interés de mi parte y el interesantísimo festival de Morelia, mi ‘cobertura’ del LALIFF, Festival Latino de Los Ángeles, se limito a la simple calificación de las películas vistas. Karen Galindo ya me había advertido de la falta de organización del festival, y se quedo corta. Pero mucha gente lo disfruto, yo en realidad ya había visto casi todas las películas de ficción del festival, entre estas las Mexicanas: Fuera del Cielo (2005, Patrón Fox), Los Pajarracos (2006, Hernández y Rivera), Malos Hábitos (2007, Bross), Morirse Esta En Hebreo (2006, Springall), Niñas Mal (2007, Sariñana) y Cobrador In God We Trust (2006, Leduc) y One Long Night (2007, Sequeiros).


COBRADOR, IN GOD WE TRUST (ARTE CINEMA/GUSSI)

El plato fuerte recayó en la cinta La Misma Luna (2007), opera prima de Patricia Riggen, la cual recibió colosales aplausos y que ya venia respaldada por varias organizaciones pro-inmigrantes. Film con buenas intenciones, pero se queda ahí, chantajista desde el primer encuadre y de lo mas predicible, el trailer nos relato la historia casi completa. De cualquier forma, Adrián Alonso una vez mas demuestra que tiene chispa y que a contrario de la mayoría de los niños actores, el no pierde el carisma, solo avanza, varios periodistas Americanas de inmediato comentaron que para ellos es una de las actuaciones infantiles mas complejas en los últimos años. Eugenio Derbez, muy bien!, creo que es el mejor comediante de México en mucho tiempo, y actuando en un drama es casi irreconocible. Las actuaciones son muy redondas en su mayoría, hasta Kate del Castillo me sorprendió, hasta ahora su mejor actuación. Película dispareja, que todo momento quiere encontrar culpables por la separación de una madre y su hijo.


PROPIEDAD AJENA (ARTE CINEMA/GUSSI)

Propiedad Ajena (2007) de Luís Vélez fue la segunda cinta Mexicana que se presento en la ciudad de Los Ángeles. No había muchas expectativas sobre la cinta, y termino siendo la noticia de todo el festival. El highlight farandulero del festival lo entrego un desnudo gratuito, de la preciosa de ojos verdes Ludwika Paleta. Algo que si me convenció y aplaudí fue el desarrollo del mise-en-scene en la cinta, en especial el diseño de vestuario. Para empezar, debo confesar que la novela de Enrique Berruga Billoy nunca me intereso, y la adaptación del guión en la pantalla además de ser flojo, llega a pisar el tenebroso mundo del humor involucrado. La fotografía es muy buena, logra captar dos etapas de México con impecable belleza. Esta cinta participo en el Mercado del film en Cannes, pero al no estar involucrada con Imcine, paso casi desapercibida por la prensa, algo que no paso con La Sangre Iluminada (2007, Ávila Dueñas) y Opera (2007, Riveroll).


LA ANTENA

Pero no todo fue malo, Ana Katz presento su cinta, Una Novia Errante (2007, Argentina), seleccionada ‘Una Cierta Mirada’ en Cannes, confirmo el gran año que pasa la cinematografía Argentina. Una gran actuación de su directora, una cinta personal y conmovedora. Aunque no logra impactar tanto como la genial La Antena (2006, Salir), también en competencia y visualmente hermosa, terroríficamente política sobre una ciudad que ha perdido la voz, cine fantástico de primer nivel. Otra latinoamericana que ya había visto fue la apuesta de Brasil al oscar El Año Que Mis Padres Se Fueron de Vacaciones (2006, Hamburgo), una de las favoritas a recibir una nominación, en lo particular hubiera apostado por una película mucho mas superior, la exitosa y violenta Tropa de Elite. El director Mexicano Alfredo Villa presento la seleccionada a Sundance, Adrift From Manhattan (2007), de la cual me he olvidado completamente. Solo recuerdo la buena actuación de Adrianna Bremont, y una película tediosa. México tuvo un mejor representante, Paúl Leduc, con una cinta muy completa.

La ganadora del festival fue El Corazón de la Tierra de Antonio Cuadri, una co-producción de España, Inglaterra y Portugal. En la competencia de documental, fue para otra producción vasca producida por Javier Bardem, Invisibles (2007) , una colaboración de varios cineastas Españoles, entre ellos Fernando de León e Isabel Coixet. La opera prima también fue para el mismo país, Ladrones de Jaime Marques. Mejor guión para la Cubana Madrigal, Premio a Mejor Director a Paúl Leduc por nuestra representante en los Goya, Cobrador In God We Trust (2006). Mientras que el jurado entrego dos menciones especiales para las operas primas Malos Hábitos (2007, Bross) y La León (2006, Otheguy)

Trailer "Agente 00 P2"

CINE DE ANIMACION

martes, octubre 16, 2007

Porque Me Hacen Pensar En Cine...

Thinking Blogger Awards Recipients
Entregados por Carlos Reyes a:
...............................................................................................

Paxtón Hernández, “PAXTON @ THE MOVIES”

Varias veces he presumido que yo le quite la virginidad a este blog al ser el primero en comentar en alguna de sus entradas. Mi primera visita fue buscando reacciones de la película Hostal, cinta adorada por ese blog, y odiada por un servidor. Los autores del blog, Paxton Hernández y anteriormente Bruno Packer, además de tener un gran estilo escribiendo, se las ingenian y ven casi todo el cine que se estrene en la ciudad de México. Hace un par de días el blog cumplió su primer aniversario!, el blog tiene una lista de reseñas de películas Mexicanas en su columna derecha, y su autor ha visto todas las películas Mexicanas que se han estrenado, a excepción de los recientes documentales Lucio Cabañas y Los Laberintos de la Memoria. Por la mejor cobertura del FICCO en toda la web y mucho mas, Paxton @ The Movies recibe el Thinking Blogger Award de Oro.

...............................................................................................

Daniel Campos, “CHURROS Y PALOMITAS”

Fue de los fundadores del metacritic, recuerdo muy bien mi primera visita al blog, buscando una critica sobre Morirse En Domingo, y me encontré con blog técnicamente esplendido. Y es que no solo encontré una reseña, también un podcast! y últimamente en su excelente cobertura de Morelia, hasta videos nos ha regalado. También es el organizador del “Top 5 de los Cinéfilos”, una compilación de las 5 movies favoritas de algunos cineblogueros. Además su blog es medio bilingüe, por esto y mas Churros y Palomitas recibe un Thinking Blogger Award de Plata.

...............................................................................................

Eduardo, “UN BLOG DE PELICULA”


En lo prsonal creo que es el blog con la plantilla más bonita de la bloguesfera, y el contenido del blog es igual de fresco. Creo que también fui de los primeros en visitar el blog, lo encontré por medio de un video de los ‘tres mosqueteros’ que Eduardo subió a YouTube. Otros highlights del blog son los posts maravillosos con música original de varias películas, la frase cinéfila del día, su interés por el adictivo gusto de predecir los oscares, y por haberme entregado mi primer Thinking Blogger Award. Eduardo, no se tu apellido, pero recibe este Thinking Blogger Award de Plata.

...............................................................................................

Ernesto Díezmartinez, “CINE VERTIGO”

Nuevo a la bloguesfera, pero destacado critico de Reforma y El Mural. Primer visita, bueno la verdad no tengo idea, pero confieso haber empezado a leer su pagina de Internet Cine Vértigo por su excelente cobertura del festival de Guadalajara. Ahora, para complementar su página web, ha formado parte de la bloguesfera, con un blog de cine donde el plato fuerte son sus recomendaciones de “Cine en Televisión”, además del “Se lo que viste el fin de semana pasado”, “El cliché que yo ya vi” y “A los maestros, con cariño.” Ernesto, una gran inspiración, por esto y mucho más, recibes este Thinking Blogger Award de Plata.

...............................................................................................

Christian del Moral, “CINE LATINO EN NY”

El integrante más nuevo al metacritic, y alguien con quien me identifico muchísimo pues hemos encontrado en el cine latinoamericano una forma de estar en contacto con nuestras raíces, algo a veces difícil para los que hemos vivido gran parte de nuestras vidas en el país gabacho. Es un periodista radicado en Nueva York, escribe para La Vibra, La Hora Hispana, entre otros. Mi primer visita, buscando info sobre las cintas latinoamericanas en el NYFF. Su blog se enfoca en los estrenos latinoamericanos en Estados Unidos. En su blog encontraran entrevistas, críticas, y el ambiente cinematográfico en la ciudad con mayor cultura fílmica. For all these accomplishments, and the future ones, Christian, I present to you a Silver Thinking Blogger Award.

...............................................................................................

Menciones Honorables: a todos los metacriticos. En especial a Santiago Ulloa de “Days of Cinema” por su aportación al blog, a la hermosa y mas fiel visitante Allison Montenegro de “No Te Pido Flores", y el cineasta Carlos García Campillo de “El Sendero Gris”, blog ahora descontinuado pero que antes de Cine Azteca también nos informaba de todo sobre la industria fílmica en México, y que fue una inspiración para crear mi blog.

lunes, octubre 15, 2007

Convocatoria: Ariel 2008

Click en la foto para mas info.

Como siempre, es importante registrar sus películas para la ceremonia del Ariel, gústenos o no el resultado de las nominaciones, es un premio importante y siempre es triste cuando un productor/director no registra sus películas para participar.

Trailer "Cabecitas"

Lo unico que se de esta pelicula es que muchos de los involucrados con Drama/Mex aparecen en sus creditos, Miriana Moro como productora y Emilio Valdes como DP.
~no apto para verlo en la oficina~

sábado, octubre 13, 2007

WOW! Ganadores Morelia

El Jurado Sorprende, y El Publico También!


Gabino Rodriguez en Donde Estan Sus Historias?

Quien iba pensar que la ganadora al mejor largometraje Mexicano recayera en una cinta que no fuera Cochochi o La Zona? La gran ganadora fue la cinta Donde Están Sus Historias de Nicolás Pereda, cinta que no fue bien recibida por la prensa, Cesar Albarran Torres la llamo "insulsa", al compararla con una cinta que si gusto y mucho, la ganadora a el premio del publico Quemar Las Naves de Francisco Franco. Ambas cintas fueron realizadas con muy poco presupuesto. Dato curioso es que la ganadora es la única cinta en competencia que no cuenta con distribución comercial. Santiago ya nos había dicho que una gran favorita era “Quemar Las Naves”, cinta fuerte que aborda el tema del incesto y homosexualismo.

GANADORES!
Largometraje Mexicano: "Donde Estan Sus Historias?"
Fotografía en Largometraje: "Quemar Las Naves"
Documental Mexicano: "Mi Vida Dentro"
Cortometraje Mexicano: "Fenix", "La Caja de Yamasaki", y "Peces Plátano"
Mejor Corto Michoacano: "Axuni Atari"
Guión Cortometraje Michoacano: "Santo Satan"

Premio del Publico Largometraje: "Quemar Las Naves"
Premio del Publico Documental: "Angahuan"
Documental realizado por una mujer: "Mi Vida Dentro"

Lista completa de ganadores: El Universal

Morelia La Ultima Cronica

MORELIA.THE END.

Mis 10 Favoritas del Festival

  1. Stellet Licht de Carlos Reygadas
  2. Meduzot de Edgar Keret
  3. La Zona de Rodrigo Pla
  4. El Asesinato de Jesse James de Andew Dominik
  5. Cochochi de Israel Cardenas y Laura Guzman
  6. Ladrones Viejos de Everardo Gonzalez
  7. XXY de Lucia Puenzo
  8. Parpados Azules de Ernesto Contreras
  9. El Orfanato de Juan Antonio Bayona
  10. Voleurs de Chevaux de Micha Wald

A partir de este Domingo regreso a mi vida tan cotidiana en la Ciudad de México, será difícil irme de Morelia, mi ciudad querida, otra vez se que dejare preocupación en mis padres, algo que siempre es difícil, pero así tiene que hacer. Tengo mis planes bien hechos y pronto me quedare en esta ciudad tan hermosa. Quiero agradecerle a todo el festival, a mucha gente de prense que conocí, y sobre todo a Carlos Reyes por invitarme a colaborar en su blog, y facilitarme acceso a casi todo el festival. Se que mis ‘reseñaS’ no dicen mucho, y tal vez no lleguen a interesarle a nadie, pero por lo menos les doy mi opinión y no simples sinopsis como en las paginas grandes importantes, en general, todos los blogs han hecho una esplendida cobertura. Me sorprendió el producto nacional, en su mayoría bueno, me quede con ganas de ver Quemando las Naves (Franco Alba, 2007) cinta realizada con muy poco dinero y ha dejado dividida a la audiencia y la critica, suena a mi tipo de película. En cuanto a los ganadores, pues no tengo idea, Cochochi y La Zona llegaron con mucha expectativa, y supieron ser dignas de tanta noticia. Con los ojos cerrados se lo daría a la opera prima de Rodrigo Pla, pero mi predicción es que se van por algo mas nacional y que se beneficiara mucho mas, Cochochi de Israel Cárdenas y Laura Guzmán. En cuanto a documental, Everardo González y sus Ladrones Viejos se llevaran el premio, tal vez una mención especial para Ser Isla de Eun-Hee Ihm.

La Leyenda de la Nahuala de Ricardo Arnaiz

Bien podríamos decir que es uno de los hits del festival, solo un par de funciones y ya se escuchaban los enojos de mucha gente al no conseguir boletos. Sobre todo los padres que llevaban a sus hijos. Afortunadamente pude asistir esta vez en función para público así que me lleve a mis dos sobrinas a ver esta propuesta. El resultado es bueno, digno del precio de taquilla, pero nunca me llego a cautivar, tiene problemas de guión, la animación aunque es mejor que visto en películas animadas anteriores, deja mucho que desear. Pero gusto muchísimo, mis sobrinas se divirtieron y se asustaron. Lo que me hace pensar que la película funciona con su target, el público infantil, con el público adulto no logra conectarse tanto, pero si vale la pena verla, las voces son buenas, en especial Rafael Inclan y el Loco Valdez. Lo importante es la variedad, es un paso adelante en la animación nacional.
Calificación: 65

Hasta El Viento Tiene Miedo de Gustavo Moheno

El esperado ‘remake’ del clásico de Carlos Enrique Taboeda. Empiezo diciendo que me parece que la cinta original es muy buena, pero un poco sobrevalorada, o al menos considerando a la obra maestra que es Veneno para las Hadas, cinta que debería ser recordada como la cinta más meritoria de Taboeda. Creo que Gustavo Moheno entendió que seria imposible el hacer un remake con las mismas ideas que la cinta original, el director arriesga por guiarse en la misma base que Taboeda pero realiza una película moderna, que tal vez a muchos fans de la original no les vaya a convencer. A mi me pareció una grata sorpresa, y creo que muchos de los metacriticos de este blog se van a sorprender, ya que la verdad no esperábamos mucho y se nos regala un trabajo digno, tal vez no fascinante y a veces sufre de credibilidad, pero es un film mas que decente. Las actuaciones son buenas, el grupo de chavas además de atractivos visuales, realmente capturan la escénica de la cinta original. Resalto el trabajo de Dany Perea, en una actuación que debería por lo menos darle otra nominación al Ariel, que ayuda muchísimo a un guión que a veces se menea demasiado. En lo técnico, el compositor Eduardo Gamboa entrega su mejor trabajo hasta ahora, me regreso el cine de Taboeda, pero lo hace de forma elegante, a veces se esconde y de repente sorprende con un sonido también muy completo. La mejor cinta de ‘terror’ nacional que se estrene este 2007 (Cañitas, KM31, J-ok’el).
Calificación: 66

Cumbia Callera de Rene Villarreal

Ahora si que me perdonen los del norte, pero no se si sea por coincidencia que todas las ultimas películas que he visto filmadas en Monterrey resultan ser tremendos churros. Sin duda la peor cinta del festival, los primeros minutos de la película me interesaron, da la impresión de musical cumbianchero, pero termine quebrándose en todo sentido. Aunque la música es viva y hasta divertida, llega a empalagar y este largometraje, más bien video musical largo, no funciona. Actuaciones malas, hay una muchacha muy guapa que tal vez sea la única que se salva, aunque mas bien es por su manera de bailar que le da un toque seductor a la cinta. No se porque esta en competencia, Déficit, Hasta El Viento Tiene Miedo y La Leyenda de la Nahuala hubieran sido mucho mas meritorias, y calificaban para competir.
Calificación: 31

Un Retrato de Diego de Figueroa Flores y Lopez

Este trabajo es interesante, pero creo que solo los seguidores de este pintor apreciaran la propuesta. Y es que bien pudo haber sido una producción para el Canal Once o el mismo PBS de Estados Unidos. El documental en México es de primer nivel, si en algo debemos estar orgullosos es de este género tan bien realizado. Y aunque este doc no es tan creativo, funciona como un testimonio de historia al arte. La verdad se me dificulto el saber si me había gustado o no. No se cuanto merito darle a una producción que usa demasiado material del pasado, llego hacer como un collage periodístico. Lo que si se es que el presentarnos la relación entre Diego Rivera, Manuel Álvarez Bravo y Gabriel Figueroa fue muy encantador. Un film muy político, según su propio director, la película ya tiene distribución comercial, y llegara a las pantallas a finales de Noviembre.
Calificación: 66

XXY de Puenzo & Meduzot de Keret

El verdadero autor de este blog, Carlos Reyes ya había mostrado su admiración hacia esta cinta, y aunque no me llego a gustar tanto como a el, concuerdo en que es un trabajo fílmico muy digno de sus premiaciones y que a pesar de ser muy artística, seguro le dará una nominación a la Argentina en los oscares. Lucia Puenzo trata muy bien la cinta, no se aprovecha demasiado de esta, la trata con timidez, pero es la única forma en que la cinta pudo haber funcionado. Inés Efron y Ricardo Darín están fabulosos, yo le hubiera dado el “gran premio” de la semana de la critica a la cinta Meduzot, que para mi ha sido la sorpresa del festival. Y es que no esperábamos mucho de esta, y termino siendo mi segunda película favorita del festival, después de Stellet Licht de Reygadas. Creo que las dos cintas fueron superiores a Parpados Azules, pero en realidad las 3 cintas me gustaron mucho!
XXY Calificación: 78
Meduzot Calificación: 89

La Zona de Rodrigo Pla

La mejor película en competencia. Rodrigo Pla es toda una promesa en el cine mundial, creo que desde Amores Perros no se producía una cinta ‘convencional’ con tanto calibre. Y no soy muy fan de Amores Perros, pero creo que la película marco un cambio y la cinta de Pla demuestra que todavía se puede hacer cine Urbano comercial, con violencia, con clichés pero bien dirigidas. Últimamente, traía la mentalidad que las buenas cintas Mexicanas continuarían siendo aquellas arriesgadas que intentaran innovar o contar algo nuevo. Si se le da la atención que se merece, ósea buena promoción y buen número de copias en México, será un éxito de taquilla. Y si algún día llega a Estados Unidos, creo que lograra gustar tanto a un público comercial como a las casas de arte. Daniel Giménez Cacho y Maribel Verdú están maravillosos, pero aquí el gran descubrimiento es el joven Daniel Tovar. Excelente fotografía, la edición impecable, el sonido también, la dirección de arte será recordada. Sedice que Reygadas a logrado captar la vida de los menonitas, para muchos una minoría alienígena, pues Pla también lo ha hecho, con una comunidad de la clase alta en México.
Calificación: 88

Otras:

Carlos dijo que Jesse James era el mejor Western desde Unforgiven, yo pienso que The Proposition es mejor que Unforgiven. Pero pondría a esta cinta de Andrew Dominik en tercer lugar, como uno de los Westerns más completos en recientes años. Brad Pitt, en una de sus mejores actuaciones, me sigue gustando más en The Fight Club. Mientras que Cassey Affleck le roba la pantalla al esposo de Angelina. Wes Anderson, el director Americano joven más talentoso, me decepciono totalmente. Y eso que confieso ser admirador de la odiada The Life Aquatic. Pero la decepción del festival no me la entrego Anderson si no Todd Haynes, quien hubiera pensado que el director de la obra maestra Far From Heaven haría una cinta tan artificial, donde lo único que se salva es Cate Blanchett, quien seguro y se lleva el oscar por tan buena actuación.

  • El Asesinato de Jesse James por el Cobarde de Robert Ford (85)
  • The Darjeeling Limited (43)
  • I’m Not There (40)
- SANTIAGO ULLOA

viernes, octubre 12, 2007

Hoy se estrenan Malos Habitos y Luz Silenciosa

Doble Estreno, Cintas Multipremiadas

Luz Silenciosa, 25 Copias
Una película de Carlos Reygadas

* Seleccionada por México al premio Oscar
* Premio del Jurado, Cannes 2007
* Premio
Mejor Película, Lima 2007
* Premio Mejor Fotografía, Lima 2007
* Premio FIPRESCI, Lima 2007
* Premio Católico, Lima 2007
* Premio FIPRESCI, Rio de Janeiro 2007
* Nominación Película Extranjera, Hollywood World Awards

Critica Cine Azteca

Malos Hábitos, 200 Copias
Una película de Simón Bross
* Semana de la Critica, Cannes 2007
* Mejor Película Mexicana, Guadalajara 2007
* Mejor Película Mexicana, Cine Vegas 2007
* Premio Zenith de Plata Opera Prima, Montreal 2007
* Mejor Director, Bogotá 2007

Critica Cine Azteca

jueves, octubre 11, 2007

Riveroll nos manda una entrevista con Reygadas

Entrevista a Carlos Reygadas, Luz silenciosa


A fines de mayo de 2007 Luz silenciosa (Stellet Licht, México, 2007), la tercera película de Carlos Reygadas, ganó el Premio del Jurado en Cannes, es decir, el tercer premio más importante luego de la Palma de Oro y el Gran Premio del Jurado. Es la presea más significativa que haya ganado una película mexicana en la historia del festival. Con la ocasión de su estreno comercial en salas nacionales se presenta esta entrevista a su realizador.

¿Qué influencias tienes en cuánto a arte? ¿Qué lees, qué oyes y qué ves de cine en general?

Soy muy ecléctico en todo. En cuánto a música por ejemplo estos tres días he estado oyendo a Brem, en mi casa y todo el tiempo. Oigo mucha música clásica, pero también en un momento dado puedo oír una buena cumbia, a duras penas pero sí podría. Realmente domino la música clásica, es lo que más placer me da. Pero me encanta también Pink Floyd, Led Zeppelin, o Sigur Ros por ejemplo. Si te puedo decir que detesto la salsa y que puedo oír un corrido por la gracia de las letras. Estoy leyendo una biografía de (Antonio José de) Sucre, libertador de Perú y Bolivia, y (August) Strindberg. Tengo siempre varios libros que leo al mismo tiempo. Me gusta leer mucho sobre historia, los personajes o novela. También estoy leyendo a T. S. Eliot, los Cuatro cuartetos -me encanta la poesía. ¿Qué más me preguntaste?

Cine en general.

Cine es lo peor. Puedo leer muchas cosas y oír mucha música pero el cine sí es más difícil. Realmente no puedo ver las películas de súper héroes ni de disfraces ni de muñequitos. La verdad no les entiendo bien ni me asocio con ellas y aunque esté muy bien hecha la animación no entiendo por qué la gente ve eso -los adultos quiero decir. Y las películas de disfraces, es decir, ver a Benicio del Toro que ahora sale disfrazado del Che Guevara pero antes ya le había prestado el vestido Gael (García Bernal) y luego se va a disfrazar de astronauta y en la próxima de narcotraficante. No entiendo esas películas tampoco, la verdad, me aburren mucho. Es entretenimiento del que no me gusta, me gusta el fútbol. Entiendo el entretenimiento y es muy válido, pero ese en particular no me gusta. Hay gente que no le gusta el fútbol.

Me imagino que en algún punto las viste.

No, prácticamente nunca. En casa de mis padres no había televisión. Y a mis padres les gustaba mucho la pintura y viajar por el país, me llevaban mucho a museos, eran personas cultas pero no eran cinéfilos. Y cinéfilos de chatarra tampoco, entonces no íbamos al cine casi nada. Esas películas nunca me han gustado, siempre me han aburrido muchísimo. Antes yo creía que odiaba al cine justamente por esas películas, en las que me dormía como a los diez minutos. Incluso en las de persecuciones de coches.

Te tardaste en entrarle al cine. Empezaste estudiando leyes...

Hasta los 15 años me empezó a gustar muchísimo el cine, pero no quería ser cineasta como tal, y cuando estás a los 18 años pensando qué vas a estudiar, más que qué vas a dejar en la vida piensas en qué vas a hacer. Entonces la idea de ser abogado te la imaginas como a un abogado, ser doctor y te imaginas a un doctor, ser carpintero te imaginas ser un carpintero, no el amor por la madera por ejemplo. Entonces nunca pensé que quería ser cineasta, no me llamaba para nada la atención, aunque sí había amado las películas desde hacía unos años. Entonces cuando vi películas que me fascinaron a los 15 años pensé que algún día iba a hacer películas, pero no quería ser cineasta, pensé en algún día hacer una película. Resulta que estudié derecho porque creía que era una carrera muy amplia, y lo fue, y me gustó muchísimo. Pero luego me dieron muchas ganas de poder tratar de hacer una película por una parte, y por otra parte tenía ganas de poder tener una vida práctica diferente, que no fuera la de ir de traje a la oficina.

En cuánto a tus preocupaciones sobre el mundo y sobre el cine, ¿han cambiado de Japón (México, 2002) para acá?

Realmente sobre el mundo supongo simplemente que vas madurando con la edad, te tomas unas cosas más en serio y otras menos, pero no demasiado. Ahí creo que hay una continuidad fuerte en la forma en que siento al mundo. En cuanto al cine sí, muchas cosas que en un momento aprecié las aprecio menos ahora, pero también otras las aprecio más.

¿Algún ejemplo?

Por ejemplo me acuerdo que una película de Louis Malle me encantó cuando la vi a los 18 años y la volví a ver hace poco y ya me parece algo ingenua, pesada e intelectual. En general rechazo el cine intelectual totalmente. Siempre lo he rechazado y por eso la Nouvelle Vague por ejemplo prácticamente no me gusta, el que menos me disgusta es Louis Malle.

¿Cómo defines "cine intelectual"?

Lo contrapongo al cine emocional o emotivo. El cine intelectual por ejemplo es el de Godard, que se la pasa haciendo referencias a Alberto Moravia y presumiendo de su erudición sobre La odisea, donde para entender bien una película tienes que tener conocimientos externos que van más allá del circulo propio de la película. Para mi las películas realmente poderosas son las que se contienen a sí mismas. Y Godard es el cine intelectual por excelencia porque no se contiene a sí mismo, todo está referenciado afuera. Hasta el poner a Fritz Lang en sus películas, en algunas. Así lo defino, entonces nunca me han gustado mucho las películas intelectuales, en las que el autor mismo no tenga la fuerza de dar su visión del mundo personal absolutamente, sino que tenga que nutrirla de otras cosas. Y para el cine emocional está por ejemplo (Andrei) Tarkovsky, otro es (Ingmar) Bergman. Incluso Bergman que sí tiene referencias, es un cineasta únicamente emocional, contenido en sí mismo por completo. Hay directores que con la vida voy apreciando muchísimo como pueden ser directores clásicos de otras épocas como René Clair o René Clément; (Jean-Pierre) Melville que siempre me gustó mucho pero ahora me gusta más a pesar de que sí lo considero frío y poco emotivo, pero es de tal precisión y de tal entrega al cine que me conmueve, me parece cada vez más un monstruo. Siempre intuí eso, entonces no creo que haya cambiado tanto, pero ahora lo confirmo.

Con Japón se hablaban de influencias claras. Tarkovsky, Kiarostami... ¿Es así?

Pues en cierta forma no puedo negar ni pretendo subestimar esas influencias porque son películas que he visto y que seguramente me impresionaron y seguramente están en mi en mucha medida, pero cuando hice Japón jamás pensé en Tarkovsky. Yo pensaba que estaba haciendo una película comercial prácticamente, no de planos largos ni nada. Apretaba el botón hasta que dejaba de sentir que tenía que apretarle en la cámara. Y para mi no eran planos largos sino que era la medida exacta que necesitaba el plano para poder seguir. Entonces ahí creo que hay empatía, hay afinidades, para nada en calidad ni en inspiración -no me voy a comparar con Tarkovsky ni mucho menos-, pero sí en afinidad de tiempo. A mí me gusta que dure mucho porque si no no me doy cuenta. Cuando veo publicidad en el cine antes de la película, no es broma pero nunca les entiendo. Esos chistes rápidos me cuestan mucho trabajo. Soy lento para eso entonces supongo que tengo un ritmo lento, entonces de ahí viene eso. Luego el campo y planos secuencia, pues sí, se parece a Tarkovsky, seguramente sí, pero me pregunto qué pasaría si nunca lo hubiera visto. En Japón me dicen que esta película está influenciada por La balada de Narayama (Narayama bushiko, Japón 1983) de (Shohei) Imamura, una película que vi por primera vez hace seis meses. No la había podido encontrar y ya la encontré. Y me di cuenta que la gente dice que se parece porque salen viejitos también, en el monte, nada más. Por eso yo creo que muchas veces las referencias las hacen los propios críticos basadas en referencias que tienen ellos mismos de otras películas en vez de la realidad. Es un tema bien difícil de analizar.

Se dice que tienes la película completamente clara en la cabeza, que sabes perfectamente lo que quieres. ¿Te compararías con Alfred Hitchcock en cuanto a método?

Si, totalmente. Hitchcock no es un director que me guste para nada, pero he leído algo de él y sé que él trabajaba así y la verdad es que sí es muy parecido. Yo siento que la película, una vez que la pienso y la escribo -la pienso durante mucho tiempo, pero la escribo muy rápido-, en ese momento ya está. Para mí ya existe. Luego viene un proceso de materialización que obviamente puede traer ajustes y desajustes, pero para mí la película existe cuando la pienso. Puedes ver mis storyboards y el guión y son la película.

¿Haces storyboards de toda la película?

De cada plano. Y además no los hago como algunos storyboards en los que no entiendes nada, o los que mandan a hacer a no sé donde y los dibujan de colores, etc. Yo hago el storyboard en el formato que vamos a usar ya sea cinemascope, 1:1.85, 1:1.66, lo que sea, y ahí encuadro ya prácticamente, lo dibujo exactamente como debe de ser, y si tu los ves se parecen muchísimo a la película.

Ya con las locaciones conocidas.

Exacto. Primero escribo el guión muchas veces sin conocer las locaciones ni nada, aunque ya tengo una idea de dónde lo voy a hacer. Por ejemplo esta película la escribí sin conocer la casa donde la iba a filmar, sin conocer el establo. Luego los busqué y ya que encontré las locaciones hice el storyboard.

Empezaste en el campo, te fuiste a la ciudad en Batalla en el cielo (México, 2005) y ahora regresas al campo. ¿Por qué irse a una comunidad aislada como la menonita?

Es muy fácil. No tiene nada que ver con que haya filmado en el campo o que me interesen los menonitas en particular, sino que me pareció que era el concepto perfecto para esta historia. Es una historia de un hombre, dos mujeres, un amor dividido y el sufrimiento que causa alguien a alguien por dejarla de amar. Esa historia de triángulo la conoces de toda la vida, sale en casi todas las telenovelas y yo quise ubicarla en un contexto en el que no hubiera distracción. La sociedad menonita es prácticamente monolítica, no hay clases sociales, no hay clases económicas, no hay conceptos de belleza de cuál está más guapa que otra, entonces quise despojar a la historia de toda distracción para que fuera como un cuento de los hermanos Grimm o de (Hans Christian) Andersen, donde está el abuelo, el papá, sin mayores referentes. Cuando de niño me leían el patito feo no pensaba que era un patito francés, pensaba que era el patito del jardín, y el bosque de Caperucita Roja era el de al lado de casa de mis abuelos, y así. Eso es lo que traté de hacer con los menonitas. Imagínate la historia en el D.F.: ¿A quién escoges? Entonces ya son historias de dinero, o de intereses, de mentira, y yo quería que fuera una historia nada más de verdad concentrada en el sufrimiento personal.

¿Cómo te vino la idea de la película?

Son pensamientos de imaginación con los que te asocias con los demás y con el mundo. Finalmente es autobiográfica en la medida en que son pensamientos muy personales que yo siento, pero no son cosas que me hayan ocurrido. Japón es de un suicida y yo nunca he sido suicida pero sí me he planteado mucho por qué vivimos y cómo sería matarte, y lo mismo esta película. Sobre todo esa pregunta de "¿es legítimo dejar de amar a alguien que aun te ama?" He leído en libros de (Alejandro) Jodorowsky que dice que nadie está obligado a amar a nadie, si dejas de amar a alguien, mala suerte, adiós. Hay gente que mantiene una teoría absolutamente en el otro extremo, que dice "si tú ya le prometiste a alguien que vas a estar con ella" o aunque no hayas prometido, si tú has amado a alguien tienes que estar con ella hasta el final. Yo no pienso que ninguno de los dos tenga la razón. Es una cosa mucho más flexible e indefinida, que será permanentemente indefinida, y por eso la película está más en ese limbo que interroga más que dar respuestas.

¿Tenías una idea moral o algo que querías dejar en claro a priori?

Para nada. Quería sentir nada más, por eso la película no tiene una moraleja como tal. La película está simplemente abierta para que quien es moralista encuentre una moraleja o una moral, por eso algunos menonitas que la han visto están muy contentos porque piensan que es básicamente "si tú estás siendo adúltero vas a sufrir mucho, pero eventualmente si tienes fe se va a restablecer la paz y el matrimonio va a perdurar y lo demás va a desaparecer", y esa lectura se puede hacer y es totalmente legítima y clara y hasta es lógica, no es una invención. También hay lecturas mucho más abiertas y muy diferentes, entonces yo no meto la idea de que la película tiene que tener un mensaje porque no es cierto, porque esta película no tiene ningún mensaje más que el que cada uno quiera sacar en relación a su propia personalidad.

A la hora de escribir te vas guiando no por una guía intelectual sino por una guía emocional. Una cadencia o algo así.

Totalmente.

¿Por qué utilizar no actores o actores no profesionales?

Por varias razones. La primera es porque no me gustan las películas de disfraces, entonces imagínate haber usado a Diane Kruger disfrazada de menonita, eso para las fiestas nada más. Yo creo que no puedes dejar de ver al actor y por lo tanto sabes necesariamente que es fantasía. Habrá quien me diría que es mal argumento porque de todas formas es fantasía, y sí será, pero hay una diferencia muy fuerte en sentir que lo que estás viendo es único y por lo tanto hay una sensación mucho más profunda de verdad. Si pones a Nicole Kidman y a Richard Gere y a no sé quien, pues es la nueva película de esos tipos haciéndola ahora de menonitas, y eso no me gusta. Esa es la esencia realmente. Luego está el tema de que no me gusta que se represente un papel, a mi me gusta ver al ser humano mismo que se ha escogido para el papel, y tratar de penetrar en él. Eso también se podría hacer con un actor, porque también hay actores que son capaces de no representar, pero es más difícil de entrada y son caras conocidas.

¿Hay algo de Robert Bresson en este método?

Bresson es el principio, sólo que Bresson para mí, justo intentando esa misma lógica, aplicó un método muy radical en el que suprime la humanidad de los seres a los que escoge, por eso todos personajes de Bresson se parecen muchísimo, son proyecciones o modelos que se convierten en maniquíes. A mi sí me gusta observar la individualidad o la unicidad de la gente que escojo.

Las escenas de sexo en Japón pero sobre todo en Batalla en el cielo fueron ángulos importantes en ambas. Ahora que haces una película sobre infidelidad en la que el sexo está directamente involucrado no hay sexo.

Ni siquiera lo había pensado así, qué curioso. Pero es que claro, el tema es lo de menos. En las otras dos películas ocurría algo importante al interior del sexo, en Japón más que en ninguna. En Japón el punto culminante del hombre era durante el sexo, cuándo él se caía al momento que una persona se le estaba entregando, y trataba de eso, entonces había que enseñarlo. En Batalla en el cielo había una cuestión estética en la que yo quería hablar mucho más de los cuerpos, de la presencia física del hombre como materia activa. A veces cuando veo a un nazi matando a otro en una película o cuando te lo imaginas, es una materia activa que jala con unos tendones de un apartito y mata a alguien. Eso me impresiona. En Japón había mucho ese tema. En esta película en ese sentido el sexo es más narrativo. Aquí lo único importante es que tienen sexo, entonces se puede sugerir. En Batalla en el cielo lo hubiera sugerido si lo importante era decir que se acuestan, nada mas los pones a los dos en la cama y ya, pero yo quería y creo que muchas cosas pasan a través de ver esos cuerpos, y te impactan de una manera particular en la totalidad de la película, y en esta no había ninguna necesidad. En ese sentido sólo respondo a las necesidades de la película.

Con la música pasa lo mismo: es importante en Japón y es un elemento clave en Batalla. ¿Por qué suprimirla del todo?

En las otras dos películas usé siempre la música de una manera particular, nunca la usé como música para acompañar secuencias o para unir una secuencia con otra, sino que eran momentos musicales que inspiraban alguna secuencia de la película, se acababa al final de la secuencia y empezaba la siguiente y las imágenes estaban al servicio de esa música. Esta vez sí no cabe duda que me he depurado y he reducido de un barroquismo a un hansenismo si quieres, a una pureza más limpia. Por eso hay menos planos secuencia, menos movimientos de cámara, hay más planos fijos. Cada vez más se me antoja observar con más paz y con más tranquilidad y dirigir menos la mirada del espectador.

La actitud déspota y agresiva de la heladería--

La escena de la heladería de la versión que viste la quite para hacer la película más pura, más contenida. Era algo que me gustaba mucho pero que de alguna forma estorbaba a lo que la película quiere contar.

Me recordó a los chicos que regresan de una graduación en Batalla en el cielo y mean las maletas, como podría ser también la actitud del sobrino de Asención en Japón.

Agresivos pero en un tono medio cómico ¿no?

Sí, y en los tres casos es casi como un pie de página.

Efectivamente sí es como un pie de página, es una buena definición, porque son comentarios un poco al margen. Cosas que sí ocurren, que sí pasan, que sí son importantes pero que no pertenecen al texto central, y no lo había ni siquiera pensado pero por eso lo quité. Quise depurarla, quería ir al centro. Creo que contiene la película más, a pesar de que es una lástima porque pienso que esas salidas dan un poco de aire. También hay humor y el humor es muy importante. Pero lo eliminé y me quedé nada más con lo esencial y creo que es mejor.

Hablemos de (Carl Theodor) Dreyer. De Día de ira (Vredens Dag, Dinamarca, 1943) tomas no estoy seguro si la trama, pero sí el tema de la infidelidad, y de Ordet (Dinamarca, 1955) tomas una de las escenas finales.

De Día de ira ni siquiera me acuerdo de la trama, pero sí me acuerdo de la figura que me recordaba tanto a (Johannes) Vermeer y a otros pintores nórdicos. Para los vestidos y todo pensaba en Día de ira, pero ni siquiera la vimos, ni me hacía falta. No me acuerdo de qué se trata. Pero de Ordet sí, no vamos a revelarlo pero lo que ocurre, ocurre directamente en Ordet. Ahí sí lo tuve que asumir, cuando me planteé la historia no veía la salida, entonces pensé en la muerte y luego pensé en que quería algo de luz y pensé en eso y me di cuenta que era como Ordet. Además son nórdicos, viven en el campo y son protestantes. Pero lo asumí, lo afronté directo y se va, ya, pero porque siento que la filosofía de la película es totalmente diferente. La filosofía de la de Dreyer se trata de eso, desde el principio. Hablan de un milagro, del milagro de la fe, está el hermano que lo anuncia desde el principio, etc. Aquí eso pasa como arranca un tractor o como los niños entran a cuadro, es una cosa más y tiene que ver más con el amor humano o el milagro a través del amor que el milagro mismo. Entonces me dio igual y lo afronté directamente pero para mi realmente tiene más que ver con la bella durmiente, la forma en que lo filmé, una persona levantando a otra. Para mi es diferente, entonces lo afronté directo. Y sí, obviamente le tengo un gran amor y grandísimo respeto a Dreyer.

¿Dirías que hiciste una película escandinava en el norte de México?

La verdad es que parece que sí. Finalmente son nórdicos que viven en el norte de México como viven en Escandinavia.

De Bergman me recuerda a La pasión de Ana (En passion, Suecia, 1969).

A mí se me hace que hay un film bergmaniano ahí pero ninguna película en particular y es precisamente por eso, porque siendo nórdicos y protestantes en el campo se va a acabar pareciendo a una película de Bergman a fuerza. Y sí se parece. Yo soy de los que cree que el contexto influencia de una forma tal al director que luego los directores que entran al mismo contexto parece que se influencian unos a otros pero en realidad la influencia predominante es la del contexto mismo. Desde Japón me decían "¿cómo te influenciaron las películas y la fotografía de Figueroa?" Y yo decía "no me influenció nada, te lo juro". Simplemente si vas y fotografías el campo en México, abierto, en cinemascope y te gustan las nubes y te gusta ese contexto se va a parecer a Figueroa porque a él también le gustaba. Porque es un cine tan poderoso que está por arriba de ti, que te domina.

¿De dónde viene el título?

Es una cosa muy intuitiva, hay mucha luz en ese lugar y mucha paz y mucho silencio y creo que también los milagros y las cosas más profundas entran en plena luz y calmadamente sin hacer aspavientos.

En la genial secuencia de los niños en el agua voltean mucho a cámara. ¿Fue a propósito o lo dejaste? Me recuerda un poco a los niños en Japón que pasan y voltean a la cámara, pero es una cámara subjetiva. Esta es objetiva.

Yo nunca les dije que no voltearan. Bueno, les dije que no voltearan de preferencia porque si no voltearían todo el tiempo. Sabía que iban a voltear y obviamente en la edición podía haber cortado eso, pero me parece muy impresionante que interpelen a la cámara de esa forma. Seguramente en EUA dirían en una escuela de cine que es un error, pero eso es totalmente falso, porque tú estás a tal punto en ese lugar y es tan real y es tan verdadero que incluso si voltean te das cuenta que es más verdadero que la ficción misma porque en la ficción es obvio que lo están haciendo porque les pagas dinero o les pides que hagan eso o porque los convenciste para que lo hagan. Aquí de pronto voltean. Es como si estuvieras filmando a tu familia un día en la alberca. Obviamente tampoco puede ser todo el tiempo porque tiene que mantener su nivel lírico y de elevación y no puedes abusar de esas reacciones. Pero una niña que nada y que te voltea a ver directamente es un momento que la verdad me encanta.

Pienso que un artista tiene un medio específico para expresarse. Cada obra es una exploración del medio combinada con los problemas de la humanidad, sean generales o particulares. ¿Qué tanto parten tus películas del cine y qué tanto parten de la humanidad? Es decir, ¿en qué piensas primero, en el tema o en la forma?

Te voy a dar una respuesta bien radical, pero para mí es de la realidad un 99.9%, y ni siquiera diría que el tema es la realidad y la forma cinematográfica sino que tanto el tema es realidad como la forma, no es cinematográfica. Cuando pienso en la forma no pienso en otras películas. Y es lo que siempre me dicen: "es obvio que quieres romper el lenguaje del cine mexicano" o cosas así, que digo "¿de dónde sacan eso?" Jamás he querido romper ningún lenguaje. De hecho ni me interesan los otros lenguajes tanto como para quererlos romper, sólo cierro los ojos, me imagino la trama, me imagino los lugares que visitan, las anécdotas que ven y con la pura imaginación vas imaginándote como se mueven las cosas, hacia donde van, donde tiene que estar la cámara, como la visualizas. Si está el cuadro adelante pues un traveling hacia él para acercarte. Es una cosa totalmente emocional e intuitiva. Nunca estoy pensando "ahora ya hice un traveling dos veces."

No piensas en el cine.

Jamás. Ni pienso en referencias. Obviamente también conozco el cine, me gusta el cine y pienso "esto pasa en Ordet que es una película, ¿qué vamos a hacer?"

Los time-lapses del principio y del final son espectaculares, tanto emotiva como técnicamente.

Creo que es la primera vez en la historia del cine que hay una mezcla de time-lapse de una hora en calidad lumínica o digamos en el paso del tiempo que se nota a través de la luz, y tiempo real en el movimiento, porque es un traveling de 40 metros en 4 minutos, que es tiempo real. El espectador no se da cuenta del time-lapse cuando lo está viendo.

La película empieza con un amanecer y acaba con un atardecer en el mismo lugar. Como el tiempo del no tiempo...

Si. El sol normalmente sale por el este y se mete por el oeste, entonces se debería de meter en el ángulo opuesto, pero aquí se mete en el mismo lugar. Es algo muy misterioso para interpretarlo como quieran. Queda libre a la interpretación.

¿Qué sigue? ¿Tienes otro proyecto en mente?

No, cuidar esta película. Muchas veces no las he cuidado lo suficiente una vez que salen -materiales gráficos, distribución de copias, etc. Cuidar un poco los otros proyectos que estamos haciendo, ponerle un poquito de orden y tranquilo, dejar que la inspiración llegue. Soy de los que piensan que la inspiración debe venir a ti y no tú a ella, entonces me he bloqueado.

Opiniones recogidas el 23 de agosto de 2007 en las oficinas de Mantarraya Producciones en la ciudad de México por JP Riveroll, cuya primera película, Ópera (México, 2007), se exhibirá en la 56ava edición del Festival Internacional de Mannheim-Heidelberg y posteriormente competirá en la 31ava edición del Festival Internacional del Cairo.